Hay muchas familias que han dedicado su vida a la interpretación y, ya sea con descendientes directos, cónyuges, parejas eventuales o cualquier otra relación, salen un montón de linajes que han unido su apellido a la historia del cine.
Podríamos hacer un listado enorme de nombres, con todas sus relaciones sanguíneas y sus trabajos en el mundo del séptimo arte, pero nos limitaremos a elegir 25 familias con una breve historia de cada una, y la recomendación de una película que nos guste especialmente y que sirva para poner sobre la mesa el talento de alguna de las personas que hablamos.
Seguro que me olvido de muchos o tú elegirías a otros, pero estos son mis 25 y, como la lista es inabarcable, voy a poner el criterio cronológico como el único a seguir. Puede que me quede corto y seguro que habrá una 2ª parte de artistas posteriores, pero todo llegará. Ahí van:
FAMILIAS DE CINE
1.- Roy Redgrave (1873), Margaret Scudamore (1884), Michael (1908), Rachel Kempson (1910), Vanessa (1937), Tony Richardson (1928), Corin 81939), Lynn (1943), Natasha Richardson (1963), Joely Richardson (1965) & Jemma (1965).
Roy, el patriarca de la saga, fue un actor británico de teatro y cine mudo. Reconocido intérprete teatral tuvo que huir de Inglaterra por las relaciones extramatrimoniales que tuvo. Al volver, años después, volvió a casarse y tuvo un hijo que sería más conocido que él, aunque volvió a huir a Australia donde combinó el teatro y el cine mudo.
Su 2ª esposa, y madre de Michael, fue Margaret Scudamore, una actriz teatral que terminaría siendo reconocida por ser la madre de Sir Michael Redgrave.
Michael fue actor, director y escritor y, además de una notable carrera, fue nombrado Sir en 1952. Es padre de 3 hijos de reconocido prestigio actoral, Vanessa, Corin y Lynn, y llegó a obtener 1 nominación al Oscar a Mejor actor en 1948 por “A Electra le sienta bien el luto”. Trabajó con insignes nombres de la escena británica como Laurence Olivier o John Gielgud, empezando a ser conocido por su aparición en la gran pantalla antes de la IIGM, trabajando para Alfred Hitchcock en “Agente secreto” y “Alarma en el expreso”. Posteriormente actuó en películas de Carol Reed, Anthony Asquith o Compton Bennett, llegando a cruzar el charco en contadas ocasiones. De su filmografía podríamos destacar títulos como “Secreto tras la puerta” de Fritz Lang, “La versión Browning” de Anthony Asquith, “Mister Arkadin” de Orson Welles, “1984” de Michael Anderson, “”La soledad del corredor de fondo” de Tony Richardson o “Adiós Mr. Chips” de Herbert Ross. Siempre combinó su trabajo en el cine con el teatro, su auténtica pasión, donde dirigió varios festivales y obras. Dejó de actuar a final de los 70 por la gravedad de la enfermedad de Parkinson que sufría.
Rachel fue la esposa de Michael durante 50 años y madre de la famosa saga. Conocida principalmente como actriz de teatro, participó en varios films notorios como “La soltera retozona” junto a su hija Lynn, “La última carga” para su yerno Tony o la oscarizada “Memorias de África” de Sydney Pollack.
Vanessa era la hija mayor del matrimonio de Michael y Rachel y, puede que así sea, la más reconocida a nivel internacional dentro de su profesión de actriz. Cuenta con casi todos los premios posibles de la interpretación, como el Emmy, el Tony, incluso un Oscar en 1978 por “Julia”. Ha trabajado en multitud de cintas generacionales que han marcado a mucha gente como “Blow-up” de Michaelangelo Antonioni, “Camelot” de Joshua Logan, “Los demonios” de Ken Russell, “Julia” de Fred Zinnemann o “Las bostonianas” de James Ivory. Con los años fue combinando el teatro con el cine, la televisión o las producciones británicas con las americanas o europeas. Llegados los 90 ya era una secundaria de lujo que daba impronta de calidad a sus apariciones y películas como “Regreso a Howards End” de James Ivory, “La casa de los espíritus” de Billie August o “Misión imposible” de Brian De Palma. La llegada del siglo XXI inundó su vida de drama y la muerte de su madre, de su hija Natasha o el cáncer que padeció su hermana Lynn solo se sufragó con el reencuentro y matrimonio con el actor italiano Franco Nero. Poco después también fallecieron sus hermanos Corin y Lynn, pero siempre nos quedará su presencia como una de las grandes en el cine, el teatro y la televisión
Tony fue uno de los padrinos de la nueva ola del cine británico, dirigiendo alguna película interesante y premiada, y digno de una vida de película. Empezó dirigiendo en el teatro, pero su paso al cine fue inminente y, en poco más de una década, dirigió sus trabajos más interesantes como “Mirando hacia atrás con ira”, “Un sabor a miel”, “La soledad del corredor de fondo” o la oscarizada “Tom Jones”. Tras filmar en Francia “Mademoiselle” y volver a Inglaterra, destacando “La última carga” o “Hamlet”, acabó dirigiendo para la televisión. Estuvo casado con 2 de las actrices más emblemáticas de la época como Vanessa Redgrave y Jeanne Moureau, aunque en sus últimos años se declaró bisexual. Ganó 2 Oscar por Mejor película y Mejor director por “Tom Jones” en 1963.
Corin es el segundo hijo del matrimonio Redgrave y principalmente reconocido como actor teatral. En el cine también participó como actor secundario en películas excelentes como “Un hombre para la eternidad”, “La última carga”, “Excalibur” o “Cuatro bodas y un funeral”. La televisión y la escritura también fueron fruto de su talento, aunque su implicación política junto a su esposa, la actriz Kika Markham, le hicieron un personaje fuerte más allá de las tablas.
Lynn, la hermana menor, igualmente es una reputada actriz de cine, televisión y teatro, que también escribió y terminó nacionalizándose estadounidense. Obtuvo 2 nominaciones a los Oscar por “La soltera retozona” en 1967 y por “Dioses y monstruos” en 1999.
Natasha es hija de Vanessa y Tony, y estuvo casada con el actor Liam Neeson desde 1994 hasta su muerte en 2009. En el cine, tras algunas apariciones en cintas mediocres, destaca en películas como “El pico de las viudas” de John Irving, “Nell” de Michael Apted donde conoció a Liam, o “La condesa rusa” de James Ivory.
Liam es el segundo esposo de Natasha y, tras unos inicios en que trabajó de varias cosas y lo intentó con el boxeo o el futbol, en los 70 se decantó por la actuación y en 1980 debutó en el cine con “Excalibur” de John Boorman. En poco más de una década se hizo un hueco en producciones notables como “La misión” de Roland Joffé, “Sospechoso” de Peter Yates o “Réquiem por los que van a morir” de Mike Hodges, aunque sería su papel de Oskar Schindler en la película de Steven Spielberg “La lista de Schindler” la que lo convirtió en una estrella. Empezó a ser protagonista en la mayoría de trabajos como “Rob Roy, la pasión de un rebelde” de Michael Caton-Jones, “Michael Collins” de Neil Jordan o “Star Wars. Episodio I: La amenaza fantasma” de George Lucas. En el siglo XXI trabajó con Kathryn Bigelow, Martin Scorsese, Richard Curtis, Ridley Scott o Christopher Nolan, aunque en los últimos años se ha especializado en papeles de héroe de acción como en “Venganza” de Pierre Morel, “Sin identidad” de Jaume Collet-Serra o “Non-Stop” del propio Serra. Ha estado nominado 1 vez al Oscar y siempre ha combinado sus trabajos en el cine, el teatro y la televisión.
Joely es la 2ª hija de Vanessa y Tony y, pese a intentarlo con la gimnasia, acabó en la tradición familiar como actriz. Fue en los años 80 con su participación en la cinta “Conspiración de mujeres” de Peter Greenaway donde confirmó su status, pero en los 90 cuando ya era conocida por sí misma con trabajos en “Resplandor en la oscuridad” de David Seltzer, “Mi querida hermana” de Nancy Meckler o “Tras el silencio” de Angela Pope. Su participación en “El patriota” de Roland Emmerich o en las series televisivas “Nip/Tuck” o “Los Tudor” la hizo más conocida.
Por último nombraremos a Jemma, hija de Corin, especialmente conocida por sus trabajos en televisión y teatro. Series británicas como “Redes” o “Doctor Who” le han dado cierto reconocimiento, aunque puede que sea la menos conocida de la saga familiar.
Del enorme elenco de posibilidades que da la familia Redgrave me voy a decantar por una que reúne a Tony en la dirección y Vanessa y Corin en la actuación.
LA ÚLTIMA CARGA, Tony Richardson (1968)
2.-Lionel Barrymore (1878), Ethel (1879), John (1882), Dolores Costello (1903), Diana (1921), John “Drew” (1932) & Drew (1975)
El mayor de los 3 hermanos pasó por París y Broadway antes de asentarse en Hollywood en 1924. Allí se labró una fama consistente y formó parte de alguna de las mejores películas de la época como “Grand hotel”, “Cena a las 8”, “Vive como quieras”, “Capitanes intrépidos”, “Cayo Largo”, “Duelo al sol” o “Qué bello es vivir”. Trabajó con los mejores directores y compañeros de la época, siendo nominado a un Oscar como director en 1929 por “Madame X” y ganando otro como actor en 1931 por “Alma libre”.
Ethel empezó a trabajar en Broadway muy joven y logró un reconocimiento temprano. A pesar de algún papel, no se trasladó a Hollywood hasta los años 40, trabajando para grandes nombres como Alfred Hitchcock, Robert Siodmak, Frank Borzage o Elia Kazan, ganando un Oscar como Mejor actriz de reparto en 1945 por “Un corazón en peligro” de Clifford Odets junto a Cary Grant.
John era el pequeño de los 3, pero también se dedicó a la actuación y con prestigio se le conocía como “El gran perfil”. Combinaba el teatro, a principios del siglo XX, con el cine, a partir de 1913. Destacó en el cine mudo, pero su buena voz le hizo pasar al sonoro, trabajando con Ernst Lubitsch, Archie L. Mayo, Edmund Goulding, William Wyler, George Cukor o Howard Hawks. Fue amigo de borracheras y fiestas de Errol Flynn y terminó muriendo por su alcoholismo.
Dolores estuvo 7 años casada con John y fue madre de 1 hijo suyo. Era actriz, principalmente conocida en su etapa muda, creciendo a la vez que el cine. Conoció a John actuando en la versión muda del clásico norteamericano Moby Dick de Herman Melville “La fiera del mar” de Millard Webb. La llegada del sonoro, de un hijo y del alcoholismo de su marido le hicieron tomar períodos dedicados exclusivamente a la familia, aunque participó en películas como “El pequeño Lord” de John Cromwell o “El cuarto mandamiento” de Orson Welles, para abandonar su carrera definitivamente.
Diana era hija de John y estudió interpretación desde muy joven. Debutó en el cine, incluso hizo una prueba para interpretar a Scarlett O’Hara en “Lo que el viento se llevó”, pero sus problemas con las drogas y el alcohol hicieron que su carrera fuera corta y olvidada por el público.
John era hijo de John Barrymore y Dolores Costello y, pese a sus apellidos, no hizo carrera más allá de unos pocos títulos como secundario, alcanzando más notoriedad por sus escándalos violentos y de adicciones que por sus actuaciones. Es el padre de la actriz Drew Barrymore.
Drew estaba destinada a dedicarse al cine. Su apellido, su padrino, Steven Spielberg, y su desparpajo, le hicieron debutar con solo 4 años y, con solo 7, alcanzar la fama mundial con “E.T. el extraterrestre” de Steven Spielberg. La fama temprana y empezar a codearse con adultos le llevaron a caer en la red del alcohol y las drogas a una edad muy temprana. El ingreso en un centro de rehabilitación y la publicación de un libro biográfico que contaba todo dio un giro brutal a su vida y, ya en los 90, adulta y rehabilitada, creó una productora y tomó el mando de su carrera artística. Participó en la peor película de la saga Batman, trabajó con Woody Allen, protagonizó la escena introductoria de una de las sagas de terror más exitosas de la época, “Scream”, y produjo y protagonizó la adaptación a la gran pantalla de la famosa serie de televisión “Los ángeles de Charlie” junto a Lucy Liu y Cameron Díaz. En el siglo XXI retomó el exitoso reboot televisivo, participó en alguna cinta notable como “Confesiones de una mente peligrosa” de George Clooney y produjo otras como “Donnie Darko”, pero centró su actividad en actuar en un montón de comedias románticas y familiares tan intrascendentes como exitosas, junto a actores famosos como Adam Sandler o Hugh Grant, pero ya es más conocida por participar en numerosos proyectos sociales, como fotógrafa o como productora o directora.
Elegir 1 sola cinta del clan es tarea imposible, así que me limitaré a elegir una en que salgan más de 1 Barrymore de calidad incuestionable:
GRAND HOTEL, Edmund Goulding (1932)
3.- Douglas Fairbanks (1883), Mary Pickford (1892) & Douglas Fairbanks jr. (1909).
El héroe definitivo del cine mudo, protagonista de casi todos los iconos del género en dicha época, “La marca del Zorro”, “Los tres mosqueteros”, “Robin de los bosques”, “El ladrón de Bagdad”, “El pirata negro” o “La máscara de hierro”, casado en segundas nupcias con Mary Pickford, la novia de América, empezó a trabajar en el teatro, llegando a Hollywood en 1915 y siendo amparado por D.W. Griffith, uno de los emblemas del nuevo arte. Fairbanks, Pickford, Griffith y Chaplin fundaron la United Artists para lograr un control artístico total de sus producciones. Organizó la Motion Picture Fund para ayudar a los profesionales de la industria cinematográfica que no tenían trabajo, y fue el primer presidente de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas. Con la llegada del sonoro su figura se opacó, terminando por retirarse en 1934. Eso, la separación de Mary Pickford y su excesiva adicción al tabaco le llevo a la muerte en 1939, uno de los años más grandes de la producción cinematográfica estadounidense, toda una ironía histórica.
Mary Pickford puso rostro a la ingenua romántica que solía aparecer en muchas producciones del cine mudo. Estuvo casada con Douglas Fairbanks durante 15 años, fundó la United Artists y dejó la actuación para evitar deteriorar su imagen convirtiéndose en productora. Su producción cinematográfica destaca por haber trabajado con directores de la talla de Cecil B. DeMille, Ernst Lubitsch o sus cortometrajes iniciales con D.W. Griffith. Cuenta con 2 Oscar, uno como Mejor actriz en 1929 por “Coqueta” y otro honorífico en 1976, poco antes de morir.
Douglas Fairbanks jr. fue el resultado del matrimonio de su padre con su primera mujer, Anna Beth Sully. Se inició en Hollywood como secundario gracias a su nombre, pero su valía e impostura le llevaron a protagonizar algunos films en la etapa final del cine mudo. Su carrera en el sonoro destaca por su presencia en notables películas de Howard Hawks, “La escuadrilla del amanecer”, Mervyn LeRoy, “Hampa dorada”, John Cronwell, “El prisionero de Zenda”, o George Stevens, “Gunga Din”, pero su verdadera importancia futura llegó con la IIGM y su nombramiento como comisionado de la Armada de EE.UU., siendo parte fundamental en la invasión por el sur de Europa. Obtuvo varias distinciones por dicha participación y se retiró del ejército con el grado de Capitán.
Podríamos elegir cualquiera de las películas de Douglas o Mary del cine mudo, pero os remitimos al reportaje que hice sobre el mismo (https://rockthebestmusic.com/2022/04/el-cine-mudo.html) y elegiré una de Junior que es otra obra maestra.
HAMPA DORADA, Mervyn LeRoy (1931)
4.- Walter Huston (1884), John (1906), Anjelica (1951), Danny (1962 ) & Jack (1982).
Ineludiblemente debían ser de los primeros que encabezaran este artículo. Originarios de Canadá y con antepasados en Irlanda y Escocia, Walter inició la saga en los años 20 del siglo XX, cogiendo cierto nombre en los ambientes de Broadway. Con la llegada del cine sonoro ya se hizo un nombre indiscutible y su aportación era símbolo de calidad. Estuvo 4 veces nominado al Oscar, 2 como Mejor actor por “Desengaño” en 1937 y “El hombre que vendió su alma” en 1942, y 2 como Mejor actor de reparto por “Yankee Dandy” en 1943 y por “El tesoro de Sierra Madre” en 1949, que ganó. Su filmografía está repleta de grandes actuaciones, destacando su inicio junto a Gary Cooper en “El virginiano” de Victor Fleming, o sus trabajos para grandes nombres tras la cámara como Howard Hawks en “El código criminal”, D.W. Griffith en “Abraham Lincoln”, William Wyler en “La casa de la discordia”, Lewis Milestone en “Bajo la lluvia”, Frank Capra en “La locura del dólar”, William A. Wellman en “En tinieblas”, Josef von Sternberg en “El embrujo de Shanghai”, William Dieterle en “El hombre que vendió su alma”, Jean Renoir en “Aguas pantanosas”, René Clair en “Diez negritos”, “King Vidor en “Duelo al sol”, Joseph L. Mankiewicz en “El castillo de Dragonwyck”, Robert Siodmak en “El gran pecador”o Anthony Mann en “Las furias”, aunque son sus trabajos con su hijo John alguno de los más recordados como en “El halcón maltés”, “Como ella sola” y, especialmente, en “El tesoro de Sierra Madre” que le otorgó el reconocimiento mundial.
La familia continuó sus andanzas en el mundo del cine con su hijo John. Sus primeros papeles como extra, gracias a su padre, le llevaron a escribir guiones para grandes nombres como William Wyler, Howard Hawks o Raoul Walsh, aunque su paso a la dirección fue de nivel con “El halcón maltés”, que dirigió y escribió. Desde entonces fue compaginando sus trabajos como guionista, director y alguna presencia como actor. De los primeros destacan “Aguas turbias” de André De Toth, “Forajidos” de Robert Siodmak o “El extraño” de Orson Welles, aunque su faceta como director no paró de crecer con títulos tan insignes como “El tesoro de Sierra Madre”, “Cayo Largo”, “La jungla de asfalto”, “La reina de África”, “Moby Dick”, “Los que no perdonan”, “Vidas rebeldes”, “La noche de la iguana”, “Fat city, ciudad dorada”, “El hombre que pudo reinar” o “El honor de los Prizzi”. Como actor combinaba pequeñas apariciones como en “El tesoro de Sierra Madre”, “Moby Dick” o “El juez de la horca” en películas propias, como trabajos secundarios en cintas de otros directores como en “El cardenal” de Otto Preminger, “El hombre de una tierra salvaje” de Richard Sarafian, “Chinatown” de Roman Polanski o “El viento y el león” de John Milius. Su figura se convirtió en uno de los grandes nombres de la historia del cine y cuenta con 2 premios Oscar de las 15 nominaciones que obtuvo como guionista, director, productor y actor.
La saga siguió con su hija Anjélica. Debutó muy joven, con apenas 18 años, en la película de su padre “Paseo por el amor y la muerte”, aunque dedicaba más tiempo al mundo de la moda, siendo la década de los 80 la elegida para centrarse en la actuación. Ahí destacan títulos como “El cartero siempre llama dos veces” de Bob Rafelson, “Frances” de Graeme Clifford, “Delitos y faltas” de Woody Allen o “Los timadores” de Stephen Frears, aunque es más recordada su presencia en títulos de su padre como “El honor de los Prizzi” o “Dublineses”. En los 90 destacan sus trabajos para Robert Altman en “El juego de Hollywood”, Woody Allen en “Misterioso asesinato en Manhattan” o en la saga dedicada a la familia Addams. En el siglo XXI trabajó para grandes nombres de la industria como Wes Anderson, James Ivory o Clint Eastwood, pero fue espaciando sus apariciones cada vez más. Obtuvo 3 nominaciones a los Oscar por su faceta actoral, ganando en 1986 por “El honor de los Prizzi”, convirtiendo a su padre en el primer ganador de un Oscar que ha dirigido a su padre para ganarlo y a su hija para obtenerlo también.
Danny, otro de los hijos de John, aunque de madre distinta, siguió con los tejemanejes de los Huston en el séptimo arte, como actor, como guionista y como director. Comenzó en esta última faceta con guión de su padre y actuación de su hermana en “Mr. North”. Actuó en pequeños papeles en “Leaving Las Vegas” de Mike Figgis, “21 gramos” de Alejandro González Iñárritu o “El aviador” de Martin Scorsese, aunque también destacan sus apariciones en películas como “El jardinero fiel” de Fernando Meirelles, “La propuesta” de John Hillcoat, “Hijos de los hombres” de Alfonso Cuarón o “Maria Antonieta” de Sofia Coppola. Desde entonces no ha parado de trabajar, alternando grandes producciones de directores prestigiosos como Ridley Scott o Kevin Costner con grandes desconocidos o trabajos para la televisión como “American Horror Story: Coven”, “Succession” o “Yellowstone”.
La saga podemos cerrarla con Jack, biznieto de Walter, nieto de John y sobrino de Anjelica y Danny. Sus primeros papeles reconocibles son en la serie de televisión “Boardwalk Empire” o en la saga juvenil Crepúsculo, aunque sus papeles televisivos porteriores en “Mr. Mercedes”, “Los Romanov” o “Fargo IV”, solo podrían ser comparables a sus apariciones en películas de directores tan prestigiosos como Martin Scorsese en “El irlandés” o Ridley Scott en “La casa Gucci”. Es el más joven de toda la familia Huston y seguro que todavía nos queda por ver lo mejor de él, pero sirvan estas líneas para recordar a Walter, John Anjelica, Danny y Jack, miembros de una de las familias más destacadas del séptimo arte.
La elección lógica de 1 sola cinta del Clan Huston sería TODAS, pero me decantaré por una de esas joyas en que John fue el responsable de la dirección y el guión adaptado, y Walter representó uno de los papeles principales, logrando premio para ambos.
EL TESORO DE SIERRA MADRE, John Huston (1948)
5.- Chico Marx (1887), Harpo (1888), Groucho (1890), Gummo (1892) & Zeppo (1901)
Aquí debemos hacer un ejercicio común porque los hermanos, especialmente los 3 primeros, merecen una consideración especial. Podríamos considerar que Gummo, que solo apareció en algunas obras iniciales en el vodevil, y Zeppo, que apareció en las primeras 5 películas del grupo, destacaron más en su posterior trabajo como agentes, liderando una de las grandes agencias actorales. Zeppo, que solo aparece en algunos títulos iniciales, fue el que menos desarrolló su personaje romántico y más alejado de la comedia loca de sus hermanos. Saliendo de la sombra de los Marx, es reconocido como ingeniero, siendo el fundador de la empresa Marman Products.
Surgidos del vodevil y del teatro de Broadway, llegaron al cine con la llegada del sonoro filmando hasta 13 títulos juntos, desarrollando unos personajes característicos que definían claramente al tipo. Chico tocaba el piano, era un sinvergüenza que caía bien, siempre sonriendo, y el único que podía entender a Harpo, un mudo que hablaba con gestos y una trompeta de juguete. Harpo tocaba el arpa y desarrolló la comedia visual a un nivel estratosférico. Siempre estuvo en los grupos sociales de élite, siendo parte de la famosa Mesa Redonda del Algonquín, con escritores, músicos y artistas reconocidos. Es muy recomendable su biografía “¡Harpo habla!”, donde cuenta la vida de la persona detrás del personaje. Groucho, siendo el tercer hermano, siempre parecía el mayor y pasó a ser el más reconocido con sus gafas, cigarro y bigote pintado. Desarrolló su personaje de buscavidas enamoradizo de mujeres adineradas, cazadotes, adorable, con mucho humor irónico y corrosivo, andando de un lado para otro un poco agachado, de verborrea incontenible y dispuesto a todo para ayudar a alguien necesitado, timando, estafando y engañando a quien haga falta. Con los años llegó a actuar en varias cintas alejado de sus hermanos, en la televisión y escribió varios libros entre biografías, cartas y guiones. Terminó viviendo al lado del cantante Alice Cooper, siendo famosas las reuniones alcohólico/humorísticas de ambos. Puede que sea el más recordado de todos los hermanos y llegó a recoger un Oscar honorífico a los 4 hermanos por toda su carrera en 1974. Si vas a rendirle homenaje visitando su tumba y lees “Disculpe que no me levante” ya tienes claro el fino sentido del humor que acompañó a Julius.
Los cuatro hermanos Marx que actuaron juntos llegaron a rodar 5 películas exitosas para Paramount, siendo “Sopa de ganso” la más reconocida, excluyendo la primeriza “Humor Risk” que se perdió. Quedando 3 de ellos y filmaron 9 más, 5 de ellas para MGM, pudiendo ser “Una noche en la ópera” la que más reconocimiento tiene.
Aquí sería fácil elegir cualquier cinta por su comicidad y escenas desternillantes, pero me voy a decantar por una en la que todavía salían los 4 hermanos que actuaban y la dirección corrió a cargo de un maestro, siendo la última producción para Paramount.
SOPA DE GANSO, Leo McCarey (1933)
6.- Pedro Larrañaga y Ruiz-Gómez (1887), Mª Fernanda Ladrón de Guevara (1897), Amparo Rivelles (1925), Carlos Larrañaga (1937), Mª Luisa Merlo (1941), Ana Diosdado (1938), Amparo Larrañaga (1963), Luis Merlo (1966), Maribel Verdú (1970).
Pedro es el cabeza de una las familias más largas del cine español. Con cierto éxito en la etapa muda, su mayor logro fue actuar en una de las películas definitivas del cine silente en nuestro país, “La aldea maldita” de Florián Rey.
Mª Fernanda destacó desde bien pronto en el teatro, formando parte de alguna de las compañías más importantes del país, llegando a crear su propia compañía con su primer marido. Emigró a Hollywood para poner su voz a las versiones españolas de varias películas pero, pasada la Guerra civil, se casó en segundas nupcias con el padre de Carlos y, aunque trabajó con directores de primer orden como Juan de Orduña o Pedro Lázaga, su mayor contribución y la mayor parte de su carrera la desarrolló en el teatro.
Amparo era hija de Rafael Rivelles y Mª Fernanda, iniciando su carrera actoral en la compañía de teatro de su madre. Llegados los 40 firmó con Cifesa y protagonizó alguno de los grandes títulos más populares del momento como “Eloisa está debajo de un almendro”, “El clavo” o “La fe” de Rafael Gil, o “Angustia” de José Antonio Nieves Conde. Desarrolló su carrera cinematográfica en paralelo a la teatral y, a mitad de los 50, se mudó a México, donde trabajó mucho en el teatro, el cine y la televisión. Volvió a España en 1979 y cuenta con el logro de ser la primera actriz en lograr un Goya en 1986, los novedosos premios de la Academia española de cine. En la televisión española destacan sus papeles en “Los gozos y las sombras”, “La mamma” o “La regenta”, y en el cine en “Hay que deshacer la casa” de José Luis Gª Sánchez o “Esquilache” de Josefina Molina.
Carlos es hijo de Mª Fernanda y Pedro y ha destacado tanto en el cine como en la televisión y el teatro. Trabajó en muchas producciones teatrales, especialmente en la décadas de los 60 y 70. En cine destacan títulos como “A sangre fría” de Juan Bosch, “El extraño viaje” de Fernando Fernán Gómez o su relación con José Luis Garci, con el que llegó a actuar en 4 películas, “Las verdes praderas”, “Tiovivo c. 1950”, “Luz de domingo” y “Sangre de mayo”. Y en televisión, donde realizó una larguísima carrera, destacan sus participaciones en “La novela” de tve1”, “Estudio 1” o, con la llegada de las privadas, “Farmacia de guardia”, “Señor alcalde” o “Mis adorables vecinos”.
Mª Luisa fue la primera esposa de Carlos y madre de la actriz Amparo Larrañaga y el actor Luis Merlo. Sus inicios son proclives en películas olvidables en el cine y, ya en la segunda mitad de los 60, se centra más en el teatro y la televisión. En tve trabajó junto a su marido Carlos en “Compañera te doy” en 1973, y justo a su hija Amparo en “Media naranja” en 1986, repitiendo experiencia en 2006 con su hijo Luis en su papel más recordado de los últimos años en la comedia “Aquí no hay quien viva”.
Ana nació en Argentina y fue la 2ª esposa de Carlos. Es más conocida como escritora, de novelas y guiones, que como actriz, destacando su labor adaptando textos para su producción en televisión. De estos, los más reconocidos fueron “Anillos de oro” y “Segunda enseñanza”, aunque desarrolló su carrera como escritora en casi todos los ámbitos posibles.
Amparo era hija de Carlos y Mª Luisa, prácticamente abocada a la interpretación desde muy joven. Empezó en el teatro, su escenario más asiduo y reconocido, aunque la fama le llegó como presentadora del programa televisivo Aplauso y, especialmente, con las series “Media naranja”, “Clase media” y “Periodistas”. En el cine ha trabajado con clásicos como Antonio Giménez Rico o Gonzalo Suárez, y con una leyenda viva como José Luis Garci, pero su nombre siempre ha ido más aparejado al teatro y la televisión.
Luis también es hijo de Carlos y Mª Luisa y hermano de Amparo. Ha desarrollado la mayoría de su carrera en la televisión, aunque sus inicios, como no podía ser de otra manera, fueron en el teatro donde logró sus mayores éxitos. Llegado el siglo XXI hizo carrera en la televisión con personajes recurrentes en la series “Aquí no hay quien viva”, “La que se avecina” o “El internado”.
Maribel Verdú está casada con Pedro, el hermano pequeño de la saga Larrañaga, y su carrera es la más sólida a nivel cinematográfico, con multitud de premios y trabajando con los mejores directores españoles, incluso a nivel internacional con Francis Ford Coppola o Alfonso Cuarón. Empezó muy jovencita con papeles secundarios en televisión y en publicidad, pero en 1986 ya tiró todas las puertas protagonizando “El año de las luces” de Fernando Trueba y “27 horas” de Montxo Armendáriz. La película que la convirtió en protagonista absoluta de casi todos sus trabajos y la hizo tomarse más en serio la interpretación fue “Amantes” de Vicente Aranda, con Victoria Abril y Jorge Sanz de compañeros. “Belle Époque” de Fernando Trueba, con la que ganó el Oscar a Mejor película de habla no inglesa, la presentó al mundo. Otras cintas que me gustan sobremanera son “La buena estrella” de Ricardo Franco o “Carreteras secundarias” de Emilio Martínez-Lázaro, pero ya empieza a trabajar en el extranjero y Francia, Chile y, sobre todo, México, le ofrecen producciones notables. “El laberinto del fauno” de Guillermo del Toro, “Siete mesas de billar francés” de Gracia Querejeta o “Los girasoles ciegos” de José Luis Cuerda son otros títulos imprescindibles en su filmografía. Tiene 2 premios Goya de las 11 nominaciones que ha logrado y su reputación está consolidadísima dentro del cine.
El clan nutre de un montón de películas para elegir, pero me voy a decantar por un clásico, uno de esos trabajos que son inherentes a la historia del cine español.
EL CLAVO, Rafael Gil (1944)
7.- Charlie Chaplin (1889), Oona O’Neill & Geraldine Chaplin (1944)
Probablemente estemos ante el artista más grande de la historia del cine, creador de un universo propio, de un personaje único reconocido en todo el mundo y tan adorado como odiado. Desde su Inglaterra natal llegó a Estados Unidos en una gira de la Compañía de Fred Karno y en 1914 ya rodaba cortos para Mack Sennett convirtiéndose en un gran éxito para Keystone. En uno de esos cortos iniciáticos apareció el vagabundo por 1ª vez y, al poco, Charlot se convirtió en una gran estrella. Su enorme éxito le llevó a buscar independencia creando United Artists junto a otros grandes nombres de la época en 1919. Los cortos y mediometrajes se convirtieron en largometrajes y su influencia y triunfo no paró de crecer. Con la llegada del sonoro se negó a dejar atrás su apuesta por el cine mudo hasta que en 1936 añadió efectos sonoros a “Tiempos modernos” y, en 1940, terminó por ceder con “El gran dictador”. Todo su cine iba aderezado de crítica política y ello le llevó a múltiples problemas, dejando definitivamente Estados Unidos en 1953 para asentarse en Suiza hasta su muerte. Su importancia es vital para entender un montón de cosas y la comedia y crítica adornada con una sonrisa va aparejada a su persona. Estuvo 6 veces nominado al Oscar, como actor, productor, guionista y músico, resultando ganador en 1 como autor de la BSO de Candilejas en 1973 y de 1 Oscar Honorífico en 1971.
Estuvo casado 4 veces con 4 actrices, siendo la última de ellas la que más tiempo compartió con él, desde 1943 hasta su muerte en 1977, siendo la madre de la última pata del banco, su hija Geraldine. Oona era hija de los escritores Eugene O’Neill y Agnes Boulton, y su nombre va unido al de Chaplin, siendo la madre de 8 de sus hijos.
Antes que Oona estuvo casado con Paulette Goddard desde 1936 a 1942 y, además de con Chaplin trabajó con Cukor, Mamoulian, Walsh o DeMille. Estuvo nominada al Oscar como Mejor actriz de reparto en 1944 por “Sangre en Filipinas” y, tras Chaplin, también se casó con el actor Burgess Meredith y el escritor Erich Maria Remarque, uniendo talentos.
Geraldine era hija de Charles y Oona, pasó por Estados Unidos, Suiza, Inglaterra, España, y trabajó como bailarina, modelo y actriz. Su unión durante más de 10 años con el director español Carlos Saura que le llevó a interpretar en España un puñado de películas recordadas como lo mejor de una generación como “Peppermint Frappé”, “El jardín de las delicias”, “Ana y los lobos” o “Cría cuervos”, sin abandonar sus trabajos internacionales como “Nashville” de Robert Altman, “Viento al noroeste” de Jacques Rivette o “Roseland” de James Ivory. El resto de su vida siguió trabajando en Estados Unidos, España, Francia, Italia, Inglaterra…, siendo una figura reconocida mundialmente.
Podría elegir cualquiera de sus películas, incluso de sus cortos para ejemplificar la importancia de su figura, pero voy a escoger una de las que unió a Chaplin con Paulette.
TIEMPOS MODERNOS, Charles Chaplin (1936)
8.- Rafael Bardem (1889), Matilde Muñoz (1900), Juan Antonio (1922), Pilar (1939), Miguel (1964), Carlos (1963), Javier (1969) & Penélope Cruz (1974)
Rafael es el patriarca que comenzó en el teatro, siendo uno de los fijos en varias de las compañías más importantes del país. Su paso al cine fue tras la guerra civil y, casi siempre, en papeles secundarios, pero le mecha ya estaba encendida.
Matilde Muñoz fue su esposa y madre del director Juan Antonio y la actriz Pilar. Es hermana de las también actrices Mercedes y Guadalupe y, como casi todos, comenzó en el teatro, debutando en el cine en 1944, especializándose en mujeres de carácter. Trabajó para Edgar Neville, Florián Rey, Juan de Orduña o su hijo Juan Antonio, destacando sus papeles secundarios en “Cómicos”, “Muerte de un ciclista” o “El último cuplé”.
Juan Antonio era el hijo mayor de ambos y, aunque se licenció como Ingeniero agrónomo y comenzó como crítico, su unión con Luis García Berlanga le hizo debutar en la dirección y escritura del guión compartida en 1951 con “Esa pareja feliz”. En 1954 ya va por su cuenta y debuta con “Cómicos”, con su madre en un papel secundario. A partir de ahí, llegan sus años dorados con “La muerte de un ciclista” en 1955, que gana un premio en el Festival de Cannes, y “Calle mayor” en 1956, que compite en el Festival de Venecia. En 1958, su película “La venganza” es nominada al Oscar a Mejor película de habla no inglesa, y preside la productora Uninci, siendo “Viridiana” de Luis Buñuel su producción más reconocida. En los 70 dirige películas para Marisol y Sara Montiel, siendo “7 días de enero” su último trabajo realmente interesante. Los 80 le llevaron a dirigir varios episodios de series exitosas como “La huella del crimen”, “Lorca muerte de un poeta” o “El joven Picasso”. Su importancia en el cine español es de una importancia capital y, detrás de directores como Buñuel, Berlanga o Saura, ha sido uno de los mejores en lo suyo.
Pilar es madre de los actores Carlos, Mónica y Javier, hermana de Juan Antonio y una de las caras más reconocibles de los últimos 60 años en el cine patrio. Inició su carrera cinematográfica en los años 60 a las órdenes de Fernando Fernán Gómez en “El mundo sigue”, pero sería en los 70 cuando se haría un hueco entre los secundarios del cine español. De nuevo sería Fernán Gómez quien la contrató para la adaptación a la pequeña pantalla de “El pícaro” y, a las órdenes de su hermano Juan Antonio en “El puente” dejó otro de sus trabajos destacados. En los 80 participó en series como “Los gozos y las sombras” o “La huella del crimen”, pero ya en los 90 actuó en los debuts de Julio Medem en “Vacas” o de Agustín Díaz Yanes en la emblemática “Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto” o en pequeños papeles para Pedro Almodóvar en “Carne trémula” o para Juanma Bajo Ulloa en “Airbag”. Es una de esas actrices cuya figura ha trascendido mucho más que su trabajo como actriz.
Miguel es hijo de Juan Antonio y ha dirigido pocas películas, de las que destaca la dirigida junto a Alfonso Albacete y David Menkes. En 2004 estrenó la que puede ser su producción más destacada, con Victoria Abril, Ernesto Alterio y Federico Luppi, que obtuvo 3 nominaciones a los Goya, “Incautos”, pero poco más se puede decir de él.
Carlos es el hijo mayor de Pilar y debutó en el cine de la mano de su primo Miguel en “Más que amor, frenesí”. También destacan sus participaciones en “Perdita Durango” de Álex de la Iglesia, “Torrente, el brazo tonto de la ley” de Santiago Segura, “Alatriste” de Agustín Díaz Yanes o “Celda 211” de Daniel Monzón, siempre en papeles secundarios. A nivel internacional ha trabajado en Italia, Argentina, Colombia, Francia, México o Estados Unidos, donde apareció en “Che: Guerrilla” o la adaptación del famoso videojuego “Assasin’s creed” a la gran pantalla.
Javier es el más conocido y exitoso a nivel internacional. Hijo de Pilar, hermano de Carlos y sobrino de Juan Antonio, cuenta con una carrera internacional dilatada, con varios premios a nivel nacional e internacional. Su debut fue en el drama erótico de Bigas Luna “Las edades de Lulú” que adaptaba la novela de Almudena Grandes, pero no sería hasta “Jamón, jamón”, que le uniría por primera vez a Penélope Cruz, la que lo destapó como un actor considerable. “Huevos de oro” del propio Bigas Luna, “El detective y la muerte” de Gonzalo Suárez, “Días contados” de Imanol Uribe, “Éxtasis” de Mariano Barroso, “Boca a boca” de Manuel Gómez Pereira o “Carne trémula” de Pedro Almodóvar le labraron una carrera que se convirtió en internacional por el éxito de su nominación al Oscar por “Antes que anochezca” de Julian Schnabel. Las españolas “Los lunes al sol” de Fernando León de Aranoa, que le dio un Goya, o “Mar adentro” de Alejandro Amenábar, que estuvo nominada al Oscar como Mejor película de habla no inglesa, le terminaron de afianzar como una realidad, aunque el Oscar que consiguió por “No es país para viejos” de los hermanos Coen o sus trabajos para Woody Allen, Alejandro González Iñárritu su participación en la saga Bond en “Skyfall”. En los últimos años trabajó para directores prestigiosos como Darren Aronofsky o el iraní Asghar Farhadi, aunque su último éxito nacional, “El buen patrón”, e internacional, “Dune”, lo siguen manteniendo como un valor seguro. Ha estado 4 veces nominado al Oscar, ganando 1, y 11 a los Goya, de los que ganó 6, además de varios festivales internacionales.
Penélope está casada desde 2010 con Javier desde 2010 y tiene 2 hijos, siendo la actriz española más reconocida a nivel internacional. Desde muy joven decidió ser actriz y, estudiante de ballet e interpretación, debutando en el cine con “El laberinto griego”, aunque se estrenó después y resaltó en “Jamón, jamón” de Bigas Luna y “Belle epoque” de Fernando Trueba, que ganó el Oscar a Mejor película de habla no inglesa. En los 90 debutó en el cine italiano y protagonizó algunas películas que tuvieron cierto éxito en taquilla como “Todo es mentira” de Álvaro Fernández Armero, “El amor perjudica seriamente la salud” de Manuel Gómez Pereira o “Más que amor, frensesí”, pero sería con “Abre los ojos” de Alejandro Amenábar o su sueño cumplido de trabajar con Almodóvar en “Carne trémula” las que la catapultaron. Con “La niña de tus ojos” logró su primer Goya y, tras el éxito rotundo de “Todo sobre mi madre” de Pedro Almodóvar, que ganó un montón de premios nacionales e internacionales, Oscar a Mejor película extranjera incluido, dio el salto a Hollywood. Allí no acabó de cuajar, trabajando con estrellas como Tom Cruise, Matt Damon o Johnny Depp hasta que, de nuevo Almodóvar, sacó lo mejor de ella, recibiendo una nominación al Oscar por “Volver”. Terminó por ganarlo como Mejor actriz de reparto en la cinta de Woody Allen “Vicky Cristina Barcelona”, y fue 2 veces más nominada. Los últimos años ha ido combinando trabajos en España, Estados Unidos, Francia e Italia y ha consolidado su carrera internacional con más premios y nominaciones a nivel nacional e internacional.
Del montonazo de películas que podría elegir me voy a decantar por un clásico en blanco y negro del cine español.
MUERTE DE UN CICLISTA, Juan Antonio Bardem (1955)
9.- Emilio Gutiérrez Esteban (1891), Irene Caba Alba (1899), Irene Gutiérrez Caba (1927), Julia Gutiérrez Caba (1928), Emilio Gutiérrez Caba (1942) & Irene Escolar (1988).
Emilio es el patriarca y desarrolló toda su carrera en el teatro. Al cine solo se asomó 3 o 4 veces pero, su matrimonio con Irene Caba, le agració con 3 hijos que se convertirían en 3 de los actores más insignes de la historia nacional.
Irene es la matriarca del clan familiar y, empezando en el teatro, desplegó una carrera mucho más larga y consistente en el mundo del cine. Trabajó a las órdenes de José Luis Sáenz de Heredia, Ladislao Vajda o Rafael Gil en producciones para estrellas como Estrellita Castro o Amparo Rivelles, pero nunca dejó la gran pasión familiar que fue el teatro.
Irene es la hija mayor, dedicándose al teatro casi toda su vida. Toda su familia está vinculada a la interpretación y el cine es casi circunstancial pero con presencias importantes en grandes películas como “La tía Tula” de Miguel Picazo, “Las verdes praderas” de José Luis Garci o “La casa de Bernarda Alba” de Mario Camus. La televisión también fue recurrente en su trabajo, apareciendo siempre como actriz secundaria en capítulos para series exitosas como “Historias para no dormir” o en adaptaciones teatrales para “Estudio 1”.
Julia también comenzó en el teatro, donde desarrolló una carrera potente que la reconoció como gran intérprete, pero llegados los años 60 debuta en el cine, llegando a trabajar para Pedro Masó, Pedro Lázaga o Miguel Picazo. A final de los 70 decide dejar de lado el cine y la televisión para centrarse en el teatro, con una carrera extensa y brillante, repleta de grandes interpretaciones y obras. 20 años después vuelve al cine de la mano de José Luis Garci y Mario Camus, logrando un Goya a Mejor actriz de reparto por “You’re the one”. Teatro, cine y televisión, todos los medios han disfrutado de una de las mejores actrices que ha visto nuestro país.
Emilio es el hermano pequeño y, como toda la familia, ha estado muy vinculado al teatro, llegando a tener una compañía propia. En los 60 lo compaginó con el cine, llegando a mitad de la década a protagonizar varias cintas, destacando “Nueve cartas a Berta” de Basilio Martín o “La caza” de Carlos Saura. Como sus hermanas compaginó el teatro con el cine y la televisión y era habitual verlo en series y episodios de producciones televisivas. Con papeles secundario en “La colmena” de Mario Camus o “¿Qué he hecho yo para merecer esto?” de Pedro Almodóvar, ya es un habitual en el cine de la democracia. Películas notables como “Las bicicletas son para el verano” de Jaime Chávarri, “Réquiem por un campesino español” de Francesc Beltriu o “La comunidad” de Álex de la Iglesia cuentan con su presencia, aunque nunca ha parado de trabajar en todo lo que se la ha puesto por delante, teatro, cine y televisión.
Irene Escolar es hija del productor José Luis Escolar y nieta de Irene. Estudió interpretación, danza y filología inglesa y, desde hace unos 20 años, compagina el teatro y el cine. Tiene una larga amistad con la actriz Barbara Lennie, con la que ha trabajado en varios proyectos y crearon juntas una productora para llevarlos a cabo. Con menos de 30 años ya había ganado 1 Goya y protagonizado varias series de televisión, obras de teatro y películas, así que el futuro no puede ser más que brillante.
La extensísima saga de los Gutiérrez-Caba da para elegir una gran película, pero me voy a decantar por el gusto personal y seleccionar la que dio a Julia 1 premio Goya.
YOU’RE THE ONE, José Luis Garci (2000)
10.- Vincente Minnelli (1903), Judy Garland (1922) & Liza Minnelli (1946)
Sus padres se dedicaron al teatro y él, tras licenciarse y buscar trabajo, termina dedicándose al teatro primero y llegando al Radio City Music Hall y Broadway. Tras algunos intentos, firma con la MGM conociendo al productor Arthur Freed. En 1944 se cuadra el círculo dirigiendo a Judy Garland en “Cita en San Luis” suponiendo un gran éxito. A partir de ahí se convierte en uno de los nombres referentes del cine musical. “Ziegfeld Follies”, “El pirata”, “Melodías de Broadway 1955”, “Brigadoon” o el estruendoso éxito de “Un americano en París” lo convirtió en una estrella en su papel de director. Alejado del musical también presenta cintas notables en la comedia como “El padre de la novia”, el noir con “Corrientes ocultas”, el drama romántico con “Madame Bovary” o una de las películas más emblemáticas del cine dentro del cine como “Cautivos del mal”. Ganó un Oscar como Mejor director por “Gigi” en 1959 y ya había estado nominado por la misma categoría en 1952 por “Un americano en París”. Otras películas notables de su filmografía podrían ser “El loco del pelo rojo”, “Té y simpatía”, “Mi desconfiada esposa”, “Como un torrente” o “Con él llegó el escándalo”. La década de los 60 demostraron que ya se había quedado fuera de juego y, pese a contar con alguna buena cinta, destaca su adiós en 1976 con “Nina” protagonizada por su hija Liza Minnelli. Estuvo casado con Judy Garland entre 1945 y 1951, de cuya unión nació su hija Liza.
Judy Garland es una actriz y cantante estadounidense que pasó a la historia como la Dorothy de “El mago de Oz”, aunque su carrera junta varios títulos notables. Su unión con artistas como Mickey Rooney o Gene Kelly para MGM le hicieron un nombre y rostro conocidos por todos, aunque puede que sus trabajos posteriores como “Ha nacido una estrella”, “Vencedores o vencidos” o “Ángeles sin paraíso” sean de los más notables. Ganó el Oscar Juvenil por “El mago de Oz” y estuvo nominada 2 veces más por “Ha nacido una estrella” y “Vencedores o vencidos”. Su talento interpretativo y musical siempre ha ido de la mano con endiosamientos y devaneos mentales, siendo tan adorada como criticada, pero su figura es de una importancia inestimable.
Liza es la hija de la intérprete Judy Garland y el director Vincente Minnelli. Su reconocimiento como cantante, bailarina y actriz queda avalado por la cantidad de premios que atesora en varias facetas, siendo una de las pocas personas que cuenta con un Oscar, un Emmy, un Tony y un Grammy. Comenzó su carrera en el teatro, en el circuito Off Broadway primero y en Broadway después, dando su paso al cine a finales de la década de los 60 y explotándola más aún en los 70, con títulos como “Cabaret” de Bob Fosse, “New York, New York” de Martin Scorsese o “Arthur, el soltero de oro” de Steve Gordon. Su mayor talento es el musical, siendo recordada por la potencia y estilo de su voz, aunque estuvo ligada a diversos problemas de adicción que le afectaron en su carrera. En el cine, en el teatro, en la televisión, en la música, en el baile…, una artista completa siempre reconocida en todo lo que ha hecho.
Del innumerable talento familiar voy a elegir 1 película musical, su género favorito, que juntó a Vincente y Judy.
CITA EN SAN LUIS, Vincente Minnelli (1944)
11.- John Farrow (1904), Maureen O’Sullivan (1911) & Mia Farrow (1945)
John era australiano y llegó a Hollywood como asesor de marina, aunque se forjó una carrera como guionista y director. “Revolución en alta mar” con Alan Ladd, “California” con Barbara Stanwyck, “Mil ojos tiene la noche” con Edward G. Robinson, “Donde habita el peligro” con Robert Mitchum o “Hondo” con John Wayne son algunas de sus mejores películas, estando nominado al Oscar como Mejor director en 1943 por “Wake island” y ganando otro como Mejor guión adaptado en 1957 por “La vuelta al mundo en 80 días”. Estuvo casado con Maureen O’Sullivan desde 1936 hasta su muerte en 1963.
Maureen es mundialmente conocida por su papel de Jane, aunque inició su carrera por la llegada de Frank Borzage a su Irlanda natal para rodar una película y convencerle para que fuera a Hollywood. Al poco firmó con la MGM e inició la saga de Tarzán junto a Johnny Weissmüller. Su éxito le hizo repetir 5 veces más y en una de esas filmaciones conoció a su futuro marido, que era guionista. Trabajó con grandes directores como Tod Browning, George Cukor, Clarence Brown, Richard Thorpe o su marido John Farrow, y con grandes estrellas como Charles Laughton, Fredric March, Wallace Beery, Greta Garbo, Lionel Barrymore o Ray Milland.
El matrimonio tuvo 4 hijas que serían actrices, pero fue Mia la más reconocida y con trayectoria más larga, siempre unida a un compañero famoso. Primero fue Frank Sinatra cuando apenas tenía 20 años, luego el músico André Previn durante casi una década, y finalmente, aunque no llegaron a casarse, con Woody Allen, con quien rodó alguna de sus mejores películas. Muy reconocibles son sus apariciones en “La semilla del diablo” de Roman Polanski, “Sígueme” de Carol Reed, “El gran Gatsby” de Jack Clayton o “Muerte en el Nilo” de John Guillermin, pero fue su unión con Allen la que dejó más joyas para el recuerdo como “Zelig”, “Broadway Danny Rose”, “La rosa púrpura de El Cairo”, “Hannah y sus hermanas” o “Días de radio”. Desde la separación con Allen no ha levantado cabeza y dejó de hacer trabajos reconocibles.
De todas las joyas con Wooody Allen no tengo más que remitiros a su filmografía, así que elegiré una película de John Farrow en que actuaba Maureen O’Sullivan.
EL RELOJ ASESINO, John Farrow (1948)
12.- Henry Fonda (1905), Jane (1937), Peter (1940) & Bridget (1964)
Uno de los actores definitivos del cine clásico, de esos que conoce todo el mundo, aparece en un montón de citas míticas, ha ganado premios, que ha trabajado con prácticamente toda la gente importante durante los 45 años que duró su carrera en Hollywood. John Ford, Fritz Lang, William Wyler, Henry King, Otto Preminger, Alfred Hitchcock…, todo el mundo quería trabajar con él. El western, el drama, el suspense, el cine histórico, el bélico, la comedia, cualquier género era propicio para demostrar su valía. Tras 2 nominaciones al Oscar en 1941 por “Las uvas de la ira” y en 1958 por “Doce hombres sin piedad”, recibió un Oscar honorífico por toda su carrera en 1981 y ganó otro en 1982 como Mejor actor por “En el estanque dorado” al poco de morir.
Estuvo brevemente casado con la actriz Margaret Sullavan, 1ª de sus 5 esposas, y tuvo 3 hijos de los que 2, Jane y Peter, se dedicaron a la actuación.
Jane Fonda es su familiar que más despuntó, dueña de una carrera prolífica y exitosa, que extendió su trabajo a la literatura, activismo político y televisión. En los 60 ya logró que su nombre y rostro fueran conocidos por sí misma, obteniendo la 1ª nominación al Oscar en 1969 por “Danzad, danzad malditos”. Llegó a estar 7 veces nominada y ganó 2 como Mejor actriz por “Klute” en 1972 y por “El regreso” en 1979. Su filmografía es espectacular y cuenta con títulos como “La jauría humana” de Arthur Penn, “Descalzos por el parque” de Gene Saks, “Julia” de Fred Zinnemann, “El síndrome de China” de James Bridges, “Agnes de Dios” de Norman Jewison o “Cartas a Iris” de Martin Ritt, además de las que le valieron un premio de la Academia, entre otras. En los años 70 era una de las abanderadas contra la guerra de Vietnam y del movimiento por los derechos civiles, así como del feminismo, promoviendo el aerobic en televisión para que las mujeres cuidaran de su cuerpo. Su implicación contra el cambio climático, las guerras y la violencia contra las mujeres han llegado a opacar su figura cuando su carrera artística ya estaba en declive, pero no oculta la importancia de su carrera.
Peter Fonda también se dedicó al cine, como actor, productor, guionista, incluso director. Su nombre va asociado a la contracultura de finales de los 60 y a una película mítica al respecto, “Easy rider” de Dennis Hopper, donde actuaba y también participó en la escritura del guión. Llegó a estar nominado 2 veces al Oscar, 1 como guionista por “Easy rider” y otra como actor por “El oro de Ulises”.
Bridget es hija de Peter y debutó mínimamente junto a él en “Easy rider”, aunque no fue hasta finales de los 80 cuando encauzó su carrera, y en los 90 ya se hizo un hueco logrando papeles meritorios en “El padrino III” de F.F. Coppola, “Mujer blanca soltera busca” de Barbet Schroeder. “La asesina” de John Badham, “Solteros” de Cameron Crowe, “Jackie Brown” de Quentin Tarantino o “El ejército de las tinieblas” de Sam Raimi. En 2003 se casó con el compositor Danny Elfman, conocido por su relación profesional con el director Tim Burton y abandonó la actuación para centrarse en su familia.
La relación de films imprescindibles que rodean a la familia Fonda convierten la elección en una tarea imposible, así que tiraré por la calle de en medio y elegiré 1 en que aparecen Henry y Jane como protagonistas, dando un Oscar a su recientemente fallecido padre.
EN EL ESTANQUE DORADO, Mark Rydell (1981)
13.- Cliff Arquette (1905), Lewis (1935), Rosanna (1959), Richmond (1963), Patricia (1968), David (1971), Thomas Jane (1969) & Courtney Cox (1964).
Cliff era un cómico que trabajó en radio, teatro y cine, aunque su mayor conocimiento popular llegó por su personaje de Charley Weaver en el show televisivo The Tonight Show con Jack Parr de presentador.
Lewis era su hijo y fue un actor, guionista y productor especialmente para la televisión. En cine casi no apareció, salvando algún cameo en “Scream 2” con su entonces nuera Courney Cox, “Little Nicky” con Adam Sandler y su hija Patricia o “Very important perros” poco antes de morir.
Rosanna es la mayor de los hermanos y la 1ª que adquirió cierta fama, especialmente por su aparición en “Buscando a Susan desesperadamente” junto a Madonna, en “Jo, ¡qué noche!” de Martin Scorsese y en “Silverado” de Lawrence Kasdan. A final de los 80 destaca su presencia en “El gran azul” de Luc Besson o uno de los episodios de “Historias de Nueva York”, pero en los 90 ya tuvo solo un par de presencias destacadas como en “Crash” de David Cronenberg o “Buffalo ‘66” de Vincent Gallo. Desde entonces tiene poco destacable más allá de alguna aparición en series televisivas y películas olvidables.
Richmond puede ser uno de los menos conocidos del clan y, salvo algún papel secundario en el cine como en “El club de la lucha” de David Fincher, debería pasar inadvertido más allá de su apellido.
Patricia, por el contrario, es la más exitosa y reconocida de toda la familia. Ha ganado el Oscar, Globos de oro, el Emmy y más premios, con una carrera consolidada en cine y televisión. Antes de cumplir 20 años ya actuó en la 3ª parte de Pesadilla en Elm Street, aunque sería en los 90 con “Amor a quemarropa” de Tony Scott y con “Ed Wood” de Tim Burton cuando impactó al espectador. Participó en algún trabajo de directores prestigiosos como “Carretera perdida” de David Lynch o “Al límite” de Martin Scorsese, pero en las series televisivas “Medium”, “Boardwalk empire” o “Separación” bordó personajes complicados de los que se quedan grabados en tu memoria. El Oscar le vino por “Boyhood” de Richard Linklater, que se rodó durante 12 años junto a Ethan Hawke. En los últimos años es muy reconocida por su lucha activista por los derechos sociales y se ha manifestado y dado discursos por ello.
David es el pequeño de los hermanos dedicados a actuar, pero también ha dirigido, escrito y producido, tanto en cine como en televisión. Tras varios trabajos menores y en la televisión, rodó “Scream. Vigila quién llama” de Wes Craven donde conoció a su futura esposa Courtney Cox. Papeles secundarios en “Beautiful girls” de Ted Demme, “Ravenous” de Antonio Bird, la saga Scream o en películas para mayor gloria de otras estrellas como Drew Barrymore o Kurt Russell o televisivas le han mantenido ocupado hasta ahora.
Thomas fue el 2º marido de Patricia durante un lustro. Los 90 fueron iniciales, destacando como secundario en algunas producciones con marca como “Boogie nights” y “Magnolia” de Paul T. Anderson o “La delgada línea roja” de Terrence Malick, pero sería en 2004 cuando se convirtió en “The Punisher” y su reconocimiento ya fue popular. Después destacó en películas como “La niebla” de Frank Darabont o en la serie de ciencia ficción “The expanse”, pero ya fue decayendo en cantidad y calidad.
Courtney estuvo casada con David durante 12 años y es mundialmente conocida por su participación en la serie “Friends” y la saga cinematográfica “Scream”. Tras sus comienzos en la televisión, no sería hasta mitad de los 90 cuando destacó en la serie “Friends” o algunos títulos de cine como “Ace Ventura” con Jim Carrey o “Scream” con Neve Campbell, pero fuera de esos títulos poco ha destacado.
Entre el montón de opciones que me da la familia Arquette me voy a decantar por una que me pilló en plena juventud y la disfruté enormemente en el cine y cada vez que la veo en casa.
AMOR A QUEMARROPA, Tony Scott (1993)
14.- John Carradine (1906) Bruce (1933), David (1936), Keith (1949), Robert (1954), Martha Plimpton (1970) & Ever (1974)
El patriarca une su nombre a 2 iconos del medio, Shakespeare en el teatro, del que era un gran intérprete, y John Ford en el cine, con quien trabajó hasta en 10 ocasiones. Presenta una extensísima filmografía, superior a los 200 títulos, y fue padre de 4 intérpretes masculinos muy reconocidos.
Bruce era el mayor de todos y puede que el menos conocido. Nacido del primer matrimonio de John, era hermano de David y hermanastro de Keith y Robert. Su carrera es la más discreta y desconocida por el gran público.
David es el más conocido de los hijos, especialmente por su papel en la serie televisiva Kung Fu y por su interpretación de Bill en “Kill Bill 1 & 2” de Quentin Tarantino en la gran pantalla. Con 45 años de carrera y habiendo trabajado para grandes nombres como Martin Scorsese, Hal Ashby, Ingmar Bergman, Walter Hill o Quentin Tarantino, su nombre siempre irá aparejado a la serie Kung Fu en el papel del monje shaolin Kwai Chang Caine.
Keith fue el hijo mayor del segundo matrimonio de John con Sonia Sorel, ganó un Oscar a Mejor canción por la película “Nashville” de Robert Altman en 1975, y es padre de las actrices Martha Plimpton y Sorel Johannah Carradine. Ha combinado sus actuaciones televisivas con las cinematográficas desde la década de los 70 hasta la actualidad, destacando sus inicios en el cine con Robert Altman o sus apariciones en grandes series del siglo XXI como “Deadwood”, “Dexter” o “Fargo”.
Robert es hermano de Keith y hermanastro de David y Bruce. Destacan sus apariciones en algunas cintas notables como “El regreso” de Hal Ashby, “Forajidos de leyenda” de Walter Hill junto a sus hermanos Keith y David, “Uno rojo, división de choque” de Samuel Fuller o “Django desencadenado” de Quentin Tarantino. Además es padre de la actriz Ever Dawn Carradine, reconocida por sus papeles televisivos.
Martha Plimpton es hija de Keith, aunque se crió con su madre y no conoció a su padre hasta los 4 años. Empezó a actuar muy jovencita y, en los 80, ya actuó en algunas cintas exitosas como “Los Goonies”, “La costa de los mosquitos”, “Otra mujer” o “Un lugar en ninguna parte”. En esa época tuvo una relación con el fallecido River Phoenix y trabajó con algunos directores muy reputados como Woody Allen o Sidney Lumet. En los 90 trabajó en “Cartas a Iris” de Martin Ritt, “Beautiful girls” de Ted Demme, “Pecker” de John Waters o “200 cigarrillos” de Risa B. Garcia, pero harta del poco reconocimiento se pasa al teatro, combinando en los últimos años las pocas apariciones en el cine, con el teatro y la llegada de la televisión, donde ha trabajado en multitud de series.
Ever es hija de Robert y su participación fundamental ha sido en la televisión, con algunos papeles secundarios eventuales y otros recurrentes, aunque no ha desarrollado una carrera importante y reconocida.
De las innumerables películas en que cualquier miembro del clan Carradine ha participado me decantó por una en la que aparecen 3 de ellos.
FORAJIDOS DE LEYENDA, Walter Hill (1980)
15.- Roberto Rossellini (1906), Ingrid Bergman (1915) & Isabella Rossellini (1952)
El director italiano es una de las cabezas indispensables del neorrealismo italiano, siendo responsable de alguna de las películas más impactantes y fundamentales del género. Su padre creó el primer cine de Italia y su hermano era un compositor musical que hizo varias bandas sonoras para él. Tuvo amistad con varios personajes muy importantes del cine local como Aldo Fabrizi o Federico Fellini y, nada más terminar la dictadura fascista, estrenó consecutivamente 3 cintas imprescindibles para crear una corriente nueva del séptimo arte. Hablo de “Roma, ciudad abierta”, “Camarada” y “Alemania, año cero”. Tras ese impacto, destacan las películas que hizo con su esposa del momento, la actriz Ingrid Bergman, como “Stromboli, tierra de Dios”, “Europa ‘51”, “Nosotras las mujeres”, “Te querré siempre” o “Juana de Arco”, pero su producción está repleta de títulos ineludibles como “Francisco, juglar de Dios”, “El general de la Rovere” o “Fugitivos en la noche”. Luego decidió pasarse a la televisión, aunque también hizo sus pinitos en la innovación e invención de instrumentos que desarrollaran el medio. Aunque solo estuvo 1 vez nominado al Oscar a Mejor argumento y guión, es considerado uno de los directores más importantes del cine europeo en general e italiano en particular.
Ingrid Bergman es una de las mejores actrices de la historia del cine y, desde sus inicios en su Suecia natal, hasta el éxito internacional en Estados Unidos, ha protagonizado alguna de las mejores películas de la historia, dejando su impronta personal en muchas de ellas. En la década de los 40 dominó la actuación trabajando para Victor Fleming en “El extraño caso del Dr. Jekyll” o “Juana de Arco”, Michael Curtiz en “Casablanca”, Sam Wood en “Por quién doblan las campanas”, George Cukor en “Luz que agoniza”, Alfred Hitchcock en “Recuerda”, “Encadenados” o “Atormentada” o Leo McCarey en “Las campanas de Santa María”. Los 50 le llevaron a Italia al casarse con Rossellini, pero su divorcio le devolvió al cine más internacional rodando para Mark Robson en “El albergue de la sexta felicidad”, Stanley Donen “Indiscreta” o Anatole Litvak “Anastasia” o “No me digas adiós”. A partir de los años 60 amplia su paleta de colores trabajando en televisión, en Francia, Alemania o Suecia, además del teatro. Ganó los premios Tony, Emmy, Globo de Oro y 3 Oscar de las 7 nominaciones que obtuvo, por “Luz de gas” en 1945, “Anastasia” en 1957 y “Asesinato en el Orient Express” en 1975, cuando se le diagnosticó un cáncer de mama.
Del matrimonio entre Roberto e Ingrid nació Isabella, actriz y modelo reconocida que estuvo unos años casada con Martin Scorsese y fue pareja del director David Lynch y del actor Gary Oldman otros cuantos años. Aunque había hecho varios trabajos como actriz anteriormente, su verdadero paso definitivo surgió con “Terciopelo azul” de David Lynch en 1986. Con él también trabajó en “Corazón salvaje”, pero destacan papeles en “Sin miedo a la vida” de Peter Weir junto a Jeff Bridges, en “Amor inmortal” de Bernard Rose junto a Gary Oldman o en “El funeral” de Abel Ferrara junto a Christopher Walken. Trabajó en Italia, Estados Unidos, Francia, Canadá, Inglaterra, incluso en España.
Del montón de trabajos que acumulan los 3 me veo obligado a elegir una de las películas que Roberto rodó con Ingrid de protagonista.
EUROPA ’51, Roberto Rossellini (1952)
16.- Lloyd Bridges (1913), Beau Bridges (1941) & Jeff Bridges (1949)
Un clásico que en sus inicios para Columbia en los años 40 hizo de todo. Muchísimos papeles muy secundarios en películas recordadas como “El asunto del día” de George Stevens, “Sahara” de Zoltan Korda, “Tierra generosa” de Jacques Tourneur, “La mujer de fuego” de André DeToth o “Los inconquistables” de Cecil B. DeMille. Durante la IIGM se alistó en la Guardia Costera de Estados Unidos y fue perseguido por las listas negras de Hollywood posteriormente. Mi generación lo recordamos especialmente por su papel cómico en “Aterriza como puedas” de 1980, pero cuando ves cintas clásicas y lo ves aparecer recuerdas lo habitual que era en esas producciones. En los años 60 tuvo su propio programa de televisión, entre 1962 y 1963, en el que solían aparecer sus hijos Beau y Jeff, futuros actores.
Beau apareció en un par de películas de niño y, tras fracasar en su intento por ser jugador profesional de baloncesto, se dedicó a la interpretación en la década de los 60. Mezclando papeles secundarios con la televisión se hizo un nombre, aunque su mayor reconocimiento vino con “Los fabulosos Baker boys” junto a su hermano Jeff.
El más reconocido de la familia es Jeff, ganador de 1 Oscar de las 7 nominaciones con las que ha contado. Comenzó en la televisión aprovechando el tirón de su padre, pero fue a partir de “La última película” de Peter Bogadnovich y “Fat City, ciudad dorada” de John Huston cuando ya era una realidad. Su talento interpretativo se repartía entre el cine, la música, la fotografía …, su carrera ha pasado por muchos altibajos, pero siempre con el favor de la crítica y siendo la cara visible de un montón de películas notables como “Un botín de 500.000 dólares” de Michael Cimino junto a Clint Eastwood, “King Kong” de John Guillermin junto a Jessica Lange, “Tron” de Steven Lisberger, “Starman, el hombre de las estrellas” de John Carpenter, “A la mañana siguiente” de Sidney Lumet o “Tucker, un hombre y sus sueño” de F.F. Coppola. En los 90 ya se hizo un imprescindible con títulos como “El rey pescador” de Terry Gilliam, “Corazón roto” de Martin Bell, “Tormenta blanca” de Ridley Scott o “El gran Lebowski” de los hermanos Coen. Con la llegada del siglo XXI ya era un personaje en sí mismo y fue labrando un prestigio creciente hasta que le llegó el Oscar por “Corazón rebelde” en 2009. Sigue trabajando hasta ahora y combina sus pasiones artísticas con el cultivo de vino.
Aquí hay bastantes películas que me gustan, pero solo 1 que dio un Oscar a su protagonista y otra que ha convertido a su protagonista en algo más que un personaje.
EL GRAN LEBOWSKI, Joel Coen (1998)
17.- Kirk Douglas (1916), Diana Dill (1923), Michael Douglas (1944) & Catherine Zeta-Jones (1969).
Issur Danielovitch nació en Nueva York, descendiente de judíos huidos del Imperio Ruso, que se convirtió en una de las estrellas más grandes de Hollywood. 3 veces nominado al Oscar, ganó 1 honorífico en 1996 por toda su trayectoria, aunque su filmografía como actor y productor es de una importancia sublime. Su carácter prominente debe venir de su familia porque era el único hijo de los 7 descendientes de su familia emigrante, aunque su padre los abandonó cuando tenía 5 años y, aun así se licenció en la Universidad en Filosofía y Letras a la vez que trabaja allí para pagarse los estudios. Inició su carrera al terminar, primero en la Universidad y entrar en la Academia Norteamericana de Arte Dramático de Nueva York, y luego en el teatro de Broadway. Tras la IIGM, su amistad con Lauren Bacall le hizo debutar en Hollywood en “El extraño amor de Martha Ivers” de Lewis Milestone junto a Barbara Stanwyck. Trabaja para RKO o la Fox, con directores consagrados como Jacques Tourneur o Joseph L. Mankiewicz, pero su apoteosis llegó con “El ídolo de barro” de Mark Robson, que le proporcionó su 1ª nominación al Oscar y lo convirtió en una estrella. Ya era un tipo conocido por su energía desbordante, sus líos amorosos constantes y sus ideas izquierdistas. Los años 50 están repletos de joyas en las que participa de manera protagonista como “El trompetista” de Michael Curtiz, “El gran carnaval” de Billy Wilder, “Camino a la horca” de Raoul Walsh, “Río de sangre” de Howard Hawks, “Cautivos del mal” de Vincente Minnelli, “20.000 leguas de viaje submarino” de Richard Fleischer o “La pradera sin ley” de King Vidor. Ya era una figura indiscutible, creó su propia productora y siguió rodando obras maestras de varios géneros, con directores mayestáticos, como “El loco del pelo rojo” de Vincente Minnelli, “Senderos de gloria” de Stanley Kubrick o “Duelo de titanes” de John Sturges. Otro de los puntos culminantes de su carrera fue cuando produjo y protagonizó “Espartaco” cambiando al director para colocar a Stanley Kubrick y logrando que Dalton Trumbo apareciera en los títulos de crédito como guionista pese a estar en la lista negra. Después de protagonizar otro puñado de joyas y tras su paso por el teatro volvió al cine, siguió trabajando en grandes películas con grandes directores y, ya en los 70, actuó en producciones inglesas, francesas, italianas, incluso para la televisión. Su última aparición en la gran pantalla ya fue en el siglo XXI y su imagen ya había pasado al misticismo, cuando su hijo ya hacía tiempo que era más reconocido que él. Falleció con 103 años, uno de los más longevos actores de la historia.
Su 1ª esposa, Diana, también era una actriz, reconocida especialmente en la televisión y por participar con papeles secundarios en algunas cintas ilustres como “La llama sagrada” o “Odio entre hermanos”. Es la madre de Michael y Joel Douglas.
Su hijo Michael se ha convertido en un tipo tan reconocido como su padre, tanto en su faceta actoral como en la producción. Inició su carrera poco a poco, aunque la serie televisiva “Las calles de San Francisco” junto a Karl Malden ya le reconoció. Como productor obtuvo el Oscar a la Mejor película en 1975 por “Alguien voló sobre el nido del cuco” de Milos Forman, y como actor despuntó al final de la década con “Coma” de Michael Crischton o “El síndrome de China” de James Bridges, aunque fueron los 80 los que lo convirtieron en la estrella que es. La dupla de aventuras “Tras el corazón verde” y “La joya del Nilo”, “Atracción fatal”, “La guerra de los Rose”, “Black rain” o la cinta que le otorgó el Oscar a Mejor actor “Wall street” de Oliver Stone. En los 90 ya había conseguido que su nombre fuera el más importante del cartel y películas como “Instinto básico”, “Un día de furia” o “The game” fueron éxitos de taquilla. Desde entonces ha participado en alguna película notable como “Jóvenes prodigiosos” de Curtis Hanson, “Traffic” de Steven Soderbergh o la exitosa serie de televisión “El método Kominsky” junto a Alan Parker y reuniéndole de nuevo con Kathleen Turner. Está casado en segundas nupcias desde el año 2000 con Catherine Zeta-Jones con la que tiene 2 hijos, y suele ir a la casa que posee en Mallorca. Sufrió un cáncer y se separó temporalmente de su esposa que había sido ingresada por trastorno bipolar. Al poco se reconciliaron y, a sus 80 años, sigue trabajando.
Catherine Zeta-Jones es la 2ª esposa de Michael Douglas, actriz y bailarina galesa, que cuenta con una insigne y reconocida carrera cinematográfica. De pequeña ya llamó la atención cantando y bailando, pero fue en la televisión británica donde obtuvo su primer reconocimiento en la serie “The Darling buds of may”, aunque su salto real a la fama vino de la película “La máscara del Zorro” de Martin Campbell junto a Antonio Banderas y Anthony Hopkins. Tuvo algún éxito taquillero, pero la consideración por su trabajo llegó en el siglo XXI con “Traffic” de Steven Soderbergh y la obtención del Oscar a Mejor actriz de reparto por “Chicago” de Rob Marshall en 2003. Trabajó con los hermanos Coen, Steven Spielberg o la continuación del suceso conseguido con el Zorro. Desde entonces volvió al teatro musical, donde consiguió un Tony, y espació sus papeles en el cine, con un caché más elevado y actuando con parejas mu reconocidas como Bruce Willis, Tom Cruise o Russell Crowe. Tiene 2 hijos con Michael, con quien se casó en el año 2000 y, tras problemas de salud y una separación temporal, siguen al pie del cañón.
La elección de una sola película de tamaños titanes de la interpretación me ha resultado imposible, así que tiro por la calle de en medio y elijo la que empezó todo, primera en que Kirk era el protagonista absoluto y consiguió un gran éxito que cimentó la base para hacer todo lo que vino después.
EL ÍDOLO DE BARRO, Mark Robson (1949)
18.- Olivia de Havilland (1916) & Joan Fontaine (1917)
Olivia era hija de un abogado que ejercía en Japón y una actriz, los problemas de salud y el divorcio de sus padres le llevaron a California donde esperaba ser maestra, pero su aparición en una obra teatral que vio el director Max Reinhardt la convirtió en actriz cinematográfica. Su unión al combo formado por la Warner con Errol Flyn de protagonista y Michael Curtiz de director les convirtieron en celebridades, con hasta 8 títulos juntos, pero fue su participación en “Lo que el viento se llevó” la que la transformó en una celebridad mundial. La década de los 40 fue la más importante en su carrera porque, además de tener problemas judiciales con Warner Brothers, ganó 2 Oscar a Mejor actriz por “La vida íntima de Julia Norris” y “La heredera”, además de estar 3 veces más nominada a los premios, dejando clásicos como “A través del espejo” de Robert Siodmak o “Nido de víboras” de Anatole Litvak, además de las citadas. En los 50 espació sus apariciones y en los 60 se dedicó más al teatro y la televisión. Es una de las estrellas clásicas más longevas, falleciendo en 2020 con 104 años.
Su hermana Joan comenzó poco después que su hermana en el cine, trabajando con grandes directores como George Stevens, George Cukor o Anatole Litvak, pero puede que fuera su unión con Alfred Hitchcock al llegar a Hollywood con “Rebeca” y “Sospecha” la que la convirtió en una gran estrella. Por esta última ganó el Oscar a Mejor actriz de las 3 nominaciones que obtuvo. Posteriormente trabajó para otros grandes directores como Billy Wilder, Max Ophuls o Nicholas Ray, perdiendo poco a poco la atención mediática. Sus últimas apariciones fueron en televisión y, desde siempre, lo más comentado es su enemistad con su hermana.
Una vez más, la tarea de elegir un solo trabajo es dificilísimo, pero voy a decantarme por la llegada de Hitch a Hollywood.
REBECA, Alfred Hitchcock (1940)
19.- Leo Penn (1921), Eileen Ryan (1927), Sean Penn (1960), Chris Penn (1965), Robin Wright (1966) & Dylan (1991).
Leo era hijo de inmigrantes rusos que, combatiendo en la IIGM, se vio acusado por el Comité de actividades estadounidenses e incluido en las listas negras, dejando de actuar y pasando a la dirección para la televisión.
Eileen fue la 2ª esposa de Leo y madre de Sean y Chris. Desarrolló una corta carrera cinematográfica y televisiva, destacando un par de títulos en los que trabajó con sus hijos.
Sean es el más famoso y conocido del clan Penn y, además de contar con 2 premios Oscar como actor, es director, productor, escritor y activista político, siendo conocido por los sectores alejados al cine, especialmente por su vida personal y sus romances con estrellas como Madonna, Robin Wright o Charlize Theron. Empezó en papeles secundarios en televisión pero, llegada la década de los 80, se pasó al cine. Sus primeros papeles reconocibles son en “Taps, más allá del honor” de Harold Becker, “Aquel excitante curso” de Amy Heckerling, “Bad boys” de Rick Rosenthal o “Adiós a la inocencia” de Richard Benjamin. A mitad de los 80 se casó con Madonna y eso opacó casi todo lo que hizo, incluso una película junto a ella que se recuerda como un gran fiasco a todos los niveles. En los 90, ya divorciado de la estrella del pop, consigue convencer a casi todo el mundo por su trabajo, destacando en “El clan de los irlandeses” de Phil Joanou, “Atrapado por su pasado” de Brian De Palma y, especialmente, por “Pena de muerte” de Tim Robbins, donde logra su primera candidatura al Oscar. En el siglo XXI ya consiguió 2 premios por sus actuaciones en “Mystic river” de Clint Eastwood y “Mi nombre es Harvey Milk” de Gus Van Sant. En ese intervalo seguía ahondando su figura como actor con “The game” de David Fincher o “La delgada línea roja” de Terrence Malick, estando casado con la actriz Robin Wright durante casi 15 años. Su activismo político, claramente orientado a la izquierda, le ha generado muchísimas polémicas y oscurecido en muchas ocasiones su labor profesional.
Chris es el hijo pequeño de Leo y Eileen. Inició su carrera cinematográfica en los 80, en algunos títulos todavía recordados como “La ley de la calle” de F.F. Coppola, “Footlose” de Herbert Ross o “El jinete pálido” de Clint Eastwood, con papeles secundarios. Tras varios trabajos secundarios y de baja calidad llegó Quentin Tarantino en los 90, convirtiéndole en uno de sus “Reservoir dogs” y dándole un papel en el guión que escribió para “Amor a quemarropa” de Tony Scott. Desde entonces tuvo alguna actuación destacada, como en “Vidas cruzadas” de Robert Altman, “El funeral” de Abel Ferrara o “La brigada del sombrero” de Lee Tamahori, pero volvió a hacer trabajos olvidables hasta su prematura muerte en 2006.
Robin fue la 2ª esposa de Sean, madre de sus 2 hijos, y la más destacada intérprete de todas las parejas del clan. Comienza a trabajar como modelo y actriz televisiva, logrando nombre con la serie “Santa Barbara”. Su primer impacto cinematográfico fue interpretando a la princesa Buttercup en “La princesa prometida” de Rob Reiner, que se ha convertido en un clásico, pero sería con su papel de Jennie en “Forrest Gump” donde lograría el reconocimiento internacional. Tras trabajar un par de veces con su marido Sean, 1 como director y otra como actor, vuelve a llamar la atención en “El protegido” de M. Night Shyamalan o “Moneyball: Rompiendo las reglas” de Bennett Miller, pero estos últimos años destacó especialmente por la serie “House of cards” junto a Kevin Spacey, que le otorgó varios premios por su papel de Claire Underwood.
Aquí hay otro montón de opciones pero me decantaré por 1 que otorgó 1 Oscar a uno de los participantes.
MYSTIC RIVER, Clint Eastwood (2003)
20.- Tony Curtis (1925), Janet Leigh (1927), Kelly Lee (1956) & Jamie Lee Curtis (1958)
Hijo de padres inmigrantes, pasó por campamentos reformatorios y se alistó en el ejército tras el ataque a Pearl Harbor, cumpliendo en el servicio submarino del Pacífico. Al volver a Nueva York coincidió con Rod Steiger o Walter Matthau en la New School de Greenwich Village. Viajó a Hollywood con más de 20 años, firmando con Universal. Sus inicios en el cine, con Burt Lancaster o Jimi Stewart de compañeros no le hicieron despegar, pero llegados los 50 fue labrándose una carrera con éxitos de taquilla y títulos notables como “Trapecio” de Carol Reed, “Chantaje en Broadway” de Alexander Mackendrick o “El rastro del asesino” de Joseph Pevney. Ahí empezó su estrellato con una nominación al Oscar incluida por “Fugitivos” de Stanley Kramer, “Los vikingos” de Richard Fleischer, “Operación Pacífico” de Blake Edwards y, sobre todo, “Con faldas y a lo loco” de Billy Wilder y “Espartaco” de Stanley Kubrick. Desde entonces fue alternando trabajos menores de valoración inmediata con otros mejores que recordaban su grandeza como “La pícara soltera” de Richard Quine, “La carrera del siglo” de Blake Edwards o su durísimo papel en “El estrangulador de Boston” de Richard Fleischer. Sus últimos años le vieron trabajar en cualquier sitio que le ofertaban debido a las enormes deudas que sus divorcios le habían ocasionado. Le vimos trabajando en Italia, Alemania, Canadá, España y mucha televisión. Sus múltiples matrimonios le concedieron 6 hijos, siendo el más conocido el fallecimiento de Nicholas por una sobredosis de heroína. Sus problemas con las drogas, el alcohol y las deudas quedan ocultos por su primer matrimonio con la actriz Janet Leigh y las 2 hijas nacidas de ese enlace, las actrices Kelly y, especialmente, Jamie.
Janet Leigh también fue descendiente de familia inmigrante y sus inicios en el cine fueron de la mano de MGM. “Acto de violencia” de Fred Zinnemann o “Mujercitas” de Mervyn LeRoy fueron alguno de sus primeros trabajos destacados, aunque fue entrados los 50 cuando despuntó definitivamente con “Scaramouche” de George Sidney, “Colorado Jim” de Anthony Mann o “Sed de mal” de Orson Welles. Su nombre e imagen va unida a la película de Alfred Hitchcock “Psicosis”, siendo la protagonista absoluta de la 1ª mitad de la cinta y siendo nominada al Oscar por ello. El final de su carrera deja un par de títulos notables como “El mensajero del miedo” de John Frankenheimer o “Tres en un sofá” de Jerry Lewis, pero su caída en fama y la llegada de la televisión a su vida acaparó por completo su trabajo.
Kelly Lee era la hija mayor tuvo una corta carrera profesional en el mundo del cine y la televisión, apareciendo en pequeños papeles en películas poco recordadas y su papel en la serie televisiva “El centinela” o su matrimonio con el dramaturgo Scott Morfee puede que sean más conocidos que su carrera cinematográfica.
Jamie Lee era la segunda hija del matrimonio entre Tony y Janet y, sin lugar a dudas, es la más reconocida por su trayectoria profesional. Empezó su carrera en la televisión, con menos de 20 años y en 1978 ya aparejó su nombre a la Reina del grito por su aparición en “La noche de Halloween”, uno de los slasher definitivos de la historia del séptimo arte. Desde entonces continuó con la saga de terror o con “La niebla” de John Carpenter, pero su participación en la comedia “Entre pillos anda el juego” le abrió otra puerta para la que también estaba especialmente dotada. “Un pez llamado Wanda” de Charles Crichton o “Mentiras arriesgadas” de James Cameron terminaron por confirmarlo. Quitando “Mi chica” de Howard Zieff pocas veces podemos rescatarla hasta el reboot de “La noche de Halloween” en 2018. Desde entonces recobró parte de su fama y su inclusión en trabajos notables como “Puñales por la espalda” de Rian Johnson, la serie televisiva “The Bear” o su Oscar a Mejor actriz de reparto por “Todo a la vez en todas o partes” la devolvieron a la 1ª plana de la actualidad. También destaca su faceta de autora de cuentos infantiles, podcaster o bloguera. Es madrina del actor Jake Gyllenhaal e íntima amiga de Sigourney Weaver, además de defensora de los derechos civiles de minorías y del partido demócrata. Parece que todo va en la sangre.
De la multitud de cintas que podría elegir me decanto por 1 en la que aparecieron juntos Tony y Janet cuando todavía eran un matrimonio feliz.
LOS VIKINGOS, Richard Fleischer (1958)
21.- Jerry Stiller (1927), Anne Meara (1929), Amy (1961) & Ben (1965)
Jerry fue un reconocido comediante, especialmente durante las décadas de los 60 y 70, esposo de Anne Meara y padre de los actores Amy y Ben. En esos primeros años formó el dúo cómico con su esposa Anne, Stiller and Meara, que obtuvo bastante éxito, pero en el cine siempre aparecía como secundario en “Pelham 1, 2, 3” en los 70, “Hairspray” en los 80 o comedias protagonizadas por su hijo como “Zoolander” o “Matrimonio compulsivo” ya en el siglo XXI. En televisión es recordado por sus apariciones en las series “Seinfeld” o “El rey de Queens”.
Anne fue la esposa de Jerry durante más de 60 años, viviendo sus años de mayor gloria cuando formó con él una pareja cómica que solía pasearse por los más famosos programas televisivos como The Ed Sullivan Show. Tuvo papeles secundarios en cintas exitosas como “Los niños del Brasil” de Franlklin J. Schaffner o “Despertares” de Penny Marshall, pero es especialmente recordada por aparecer en algunas series de televisión como “Alf” o “Sexo en Nueva York”.
Amy es hija de Jerry y Anne y hermana de Ben. Ha desarrollado una carrera muy discreta, casi siempre como muy secundaria, tanto en el cine como en la televisión. Su hermano la incluyó en alguna de las películas dirigidas por él, pero poco más es su bagaje.
Ben es el más conocido y exitoso de todos. Comenzó con papeles secundarios en televisión, pero en los 90 ya tenía su propia serie para la televisión y, tanto como actor como director se pasó al cine. Títulos como “Reality bites”, “Un loco a domicilio”, “Zoolander: un descerebrado de moda” o “Tropic thunder, ¡una guerra muy perra!” lo certifican como director, y pelotazos taquilleros como “Algo pasa con Mary” de los hermanos Farrelly, “Los padres de ella” de Jay Roach y sus secuelas, “Noche en el museo” de Shawn Levy o prestando su voz para la saga de animación “Madagascar”.
Christine es la esposa de Ben. Ha aparecido en algunos capítulos de series triunfadoras como “Seinfeld” o “Friends”, y en el cine en papeles secundarios en películas independientes o de su marido, pero en los últimos años ha estado más dedicada a actividades sociales.
Aquí me voy a decantar por una de las pocas películas que realmente me hicieron reír y pasarlo bien y que, además, acoge a Ben como actor, guionista y director y a Amy en un pequeño papel secundario.
TROPIC THUNDER, ¡UNA GUERRA MUY PERRA!, Ben Stiller (2008)
22.- Rance Howard (1928), Jean Speegle Howard (1927), Ron (1954), Clint (1959), Bryce Dallas (1981) & Seth Gabel (1981)
Rance es un actor especialmente conocido por papeles en series televisivas, apareciendo en capítulos de las clásicas “La casa de la pradera” o “Mi oso y yo”, o por ser secundario en varias películas dirigidas por su hijo como “Un, dos, tres… Splash” o “Un horizonte muy lejano”.
Jean fue esposa de Rance, madre de Ron y Clint y abuela de Bryce y Paige. Sus inicios en la televisión le llevaron a papeles secundarios en películas muy conocidas en los 90 como “Apolo 13” de su hijo Ron o “Matilda” de Danny DeVito. Poco antes de morir, su hijo estaba rodando “El grinch” con su marido Rance, su hijo Clint y su nieta Bryce en papeles secundarios, dedicándosela a su memoria.
Ron es el hijo mayor y el más conocido y exitoso del clan. Comenzó como actor infantil en series de televisión y, al madurar apareció en películas conocidas como “American Graffiti” de George Lucas o “El último pistolero” de Don Siegel, antes de pasarse a la dirección y consolidarse como tal en la década de los 80 con trabajos como “Cocoon”, “Willow” o “Dulce hogar…¡a veces!”. En los 90 llegó su consolidación con títulos como “The paper (Detrás de la noticia)”, “Apolo 13” o “El grinch”, pero sería en el siglo XXI cuando lograría sus 2 Oscar como director y productor por “Una mente maravillosa”. Combina títulos comerciales como “El código Da Vinci” o “Ángeles y demonios” con otros más consolidados como “Cinderella Man. El hombre que no se dejó tumbar” o “El desafío: Frost contra Nixon” por el que recibió 2 nuevas nominaciones. En los últimos años ha dejado un par de títulos interesantes como “Rush”, pero se ha centrado más en la televisión y en rodar documentales.
Clint es el hijo pequeño y también comenzó su carrera en la televisión de niño. Ha actuado en muchas películas dirigidas por su hermano y en un montón de productos de baja calidad y series de televisión.
Bryce es hija de Ron y, aunque hizo pequeñas apariciones, no fue hasta el siglo XXI en que se hizo un hueco. Apareció en películas como “El bosque” o “La joven del agua” de M. Night Shyamalan o en otras premiadas como “Criadas y señoras” de Tate Taylor o en la saga de Jurassic World. En los últimos años ha estado ligada a la factoría Disney apareciendo en varias series suyas como “The mandalorian”, dirigiendo varios episodios.
Seth es el marido de Bryce, con quien tiene 2 hijos, y es principalmente conocido por sus apariciones recurrentes en varias series de televisión exitosas como “Nip/Tuck”, “Sexy Money” o “Fringe”. Los últimos años se le ha vinculado con la franquicia televisiva “American horror story”.
Del montón de películas que podría elegir, me decanto por una dirigida por Ron y en la que aparece en un papel secundario Clint.
EL DESAFÍO: FROST CONTRA NIXON, Ron Howard (2008)
23.- Clint Eastwood (1930), Sondra Locke (1944), Frances Fisher (1952), Kyle (1968), Alison (1972), Scott (1986), Kathryn (1988), Francesca (1993) & Morgan (1996).
Clint pasó por una juventud dubitativa, empleado en varios trabajos, hasta que lo reclutó el ejército para ser monitor de natación en Fort Ord durante la guerra de Corea. Durante su estancia allí consiguió su primera audición y consejos para dedicarse a la interpretación. Hasta que consiguió un papel en la serie Rawhide deambuló por roles secundarios en películas de bajo presupuesto. El duro trabajo en la serie le preparó para el resto de su carrera, aceptando un trabajo en un western hispano-italiano dirigido por un desconocido. Leone le encauzó para crear al Hombre sin nombre de la trilogía del dólar, alzando un nuevo estilo conocido como spaguetti western. Los beneficios obtenidos por “Por un puñado de dólares”, “La muerte tenía un precio” y “El bueno, el feo y el malo” le sirvieron para crear Malpaso Productions, su propia compañía de producción. 1968 fue el año de su regreso a la producción mediática con títulos triunfadores como “El desafío de las águilas”, “La jungla humana” y “Cometieron dos errores”. Al entrar en la década de los 70 ya contaba sus trabajos por éxitos y “Los violentos de Kelly”, “El seductor” o “Harry el sucio” no hacían más que confirmarlo. Dirigió su 1ª película y con el tiempo lograría más prestigio como director que como actor. Títulos como “Infierno de cobardes”, “Primavera en otoño” o “El fuera de la ley”, todavía hoy, son consideradas muestras de un talento efervescente. Como actor siguió cosechando éxitos como “Fuga de Alcatraz” de Don Siegel o la continuación de la saga de Harry Callahan, pero como director fue asentando un estilo propio, cada vez más respetado y consistente, hasta que, a partir de 1988, ya despunta con varias producciones de gran calidad como “Bird” o “Cazador blanco, corazón negro” hasta que logra el espaldarazo definitivo con los 4 Oscar que logró “Sin perdón”, incluidos los de Mejor película y Mejor director. Los 90 dejaron un puñado de títulos notables como “Un mundo perfecto”, “Medianoche en el jardín del bien y del mal” o “Los puentes de Madison” hasta que, en el siglo XXI, volvió a ser nominado por varios trabajos como “Mystic river” o “Cartas desde Iwo Jima” y a ganar por “Million Dollar baby”. Desde entonces ha seguido trabajando sin parar, dirigiendo y actuando en muchas películas de gran respeto por la crítica como “Gran Torino”, “Invictus” o “Mula”, aunque hasta este mismo año, con 94 años, ha estrenado su última película.
Sondra estuvo relacionada con Clint muchos años y, aunque nunca se casaron, tuvieron una estrecha relación tanto íntima como profesional. Empezó con fuerza, siendo nominada al Oscar por “El corazón es un cazador solitario”, pero en los 70 ya destacó especialmente en las películas dirigidas por Clint “El fuera de la ley”, “Ruta suicida” o “Duro de pelar”. En los 80, tras juicios y disputas legales con Clint, empezó a desvanecer su carrera y, tras varios intentos, terminó desaparecida.
Frances fue otra de las parejas de Clint que, pese a tener una carrera más larga y un hijo con Clint, también sufrió cierto ostracismo tras acabar su relación. “Sin perdón” del propio Clint, “Titanic” de James Cameron o “Casa de arena y niebla” de Vadim Perelman pueden ser sus trabajos más reconocibles. Últimamente la hemos podido ver en un par de buenas producciones como “Hostiles” de Grant Singer.
Kyle es hijo de Clint y Maggie Johnson y su principal actividad es como músico, siendo compositor de varias bandas sonoras de películas dirigidas por su padre como “Mystic river”, “Million dollar baby” o “Gran Torino”. También actuó en varias cintas de su padre, siempre con papeles secundarios, como “El aventurero de medianoche”, “Los puentes de Madison” o “J. Edgar”.
Allison también es hija de Clint y Maggie y ha diversificado su profesión entre la actuación, el modelaje y el diseño de moda. De su relación con el cine destacan los trabajos que realizó para su padre en “Medianoche en el jardín del bien y del mal” o “Mula”, incluso debutó en la dirección, y sigue relacionada con la fundación Eastwood Ranch.
Scott es hijo de Clint y Jacelyn Reeves y se ha labrado una carrera cinematográfica más allá de la relación paterno-filial. Empezó apareciendo en trabajos de su padre como “Banderas de nuestros padre” o “Gran Torino”, pero ya ha hecho su propio camino más allá de la sombra de su padre.
Kathryn también es hija de Clint y Jacelyn y ha intentado la carrera en el cine como actriz y guionista, aunque no ha conseguido labrarse un currículum suficiente.
Francesca es hija de Clint y Frances y, empezando de niña con su madre o en películas de su padre, grabó varias prescindibles hasta que, este año pasado, apareció en la última entrega de su padre “Jurado nº 2”.
Morgan es la pequeña del gran clan Eastwood y no ha hecho prácticamente nada más que aparecer en roles secundarios en un par de películas de su padre.
Aquí no podría elegir otra aunque quisiera.
SIN PERDÓN, Clint Eastwood (1992)
24.- Tippi Hedren (1930), Melanie Griffith (1957), Dakota Johnson (1989) & Antonio Banderas (1960).
Natalie fue una exitosa modelo que pasó a la gran pantalla por obra de Alfred Hitchcock, que la hizo protagonista de 2 de sus emblemáticas películas. “Los pájaros” y “Marnie, la ladrona” no pueden compararse con otras actuaciones en buenas películas como “La condesa de Hong Kong” de C. Chaplin, pero puede que su imagen ya siempre irá asociada al genio inglés. A finales de los 60 ya asoció su imagen a fundaciones para la protección animal o programas de ayuda tras hecatombes climáticas o guerras. Los acosos sexuales de Hitch y su implicación en otras tareas sociales le distanciaron de grandes proyectos. Es madre de Melanie Griffith, que ha estado casada con 3 actores conocidos como Don Johnson, Steve Bauer y Antonio Banderas, y es la abuela de las actrices Dakota Johnson y Stella Banderas.
Melanie es hija de Tippi Hedren y Peter Griffith, actriz reconocida con varios títulos notables a sus espaldas y una vida agitada. Siendo una niña estuvo unos meses casada con el actor Don Johnson, pero en los 80 ya se consolidó como actriz casándose con otro actor, Steven Bauer, y apareciendo en películas notables como “Doble cuerpo” de Brian De Palma, “Algo salvaje” de Jonathan Demme o “Armas de mujer” de Mike Nichols, que le otorgó su única nominación al Oscar. A final de la década se volvió a juntar con Don, casándose en 1989 y teniendo a Dakota Johnson, futura actriz. A mitad de los 90 conoció a A. Banderas rodando “Two much” de Fernando Trueba y terminaron casándose en 1996, naciendo Stella, fruto de dicha relación. 10 años después se separaron y se conoció que sufría epilepsia.
Dakota es hija de los actores Don Johnson y Melanie Griffith. Tras varios papeles secundarios logró cierta aura popular al protagonizar la saga dramático/erótica que adaptaba las novelas de E.L. James, aunque yo la conocí en “Black Mass: Estrictamente criminal” de Scott Cooper y le pongo cara por aparecer en otras como “Malos tiempos en el Royale” o “La hija oscura”.
Antonio fue el tercer marido de Melanie. Empezando como actor en España, logrando un reconocimiento internacional por sus actuaciones para películas de Pedro Almodóvar, y emigró a Estados Unidos en la década de los 90. Ya allí debuta con “Los reyes del mambo tocan canciones de amor” y “La casa de los espíritus”, logrando hacerse un nombre que le llevará a actuar en la Oscarizada “Philadelphia” de Jonathan Demme o “Entrevista con el vampiro” de Neil Jordan. Otro de sus puntos culminantes fue protagonizar “Desperado” de Robert Rodríguez y el reboot de “La máscara del Zorro” de Martin Campbell. Conoció a su futura esposa rodando “Two Much” de Fernando Trueba y demostró su aptitud para los musicales en “Evita” de Alan Parker junto a Madonna. A finales de siglo abordó su debut como director con “Locos en Alabama” con su mujer Melanie de protagonista y estiró su fama con la saga de Spy Kids, prestando la voz en las películas de animación Shrek, convirtiendo a El Gato con Botas en uno de los personajes preferidos de la audiencia, o la 2ª parte de El Zorro. Siguió trabajando en muchísimos proyectos nacionales e internacionales, pero aunque ya volvió a trabajar con Almodóvar, fue con “Dolor y gloria” en 2019, cuando logró una nominación al Oscar por su trabajo y un montón de premios internacionales. También ha estado muy vinculado con el teatro, como actor, productor, incluso dueño de 1 en su Málaga natal.
Debo intentar aunar la calidad con mis gustos personales y, aunque Hitch y Tippi deberían ser lo elegidos, que me decido por esta.
ARMAS DE MUJER, Mike Nichols (1988)
25.- Robert Wagner (1930), Natalie Wood (1938), Natasha Gregson Wagner (1970), Lana Wood (1946) & Jill St. John (1940).
Robert llegó a California muy joven e interpretó a varios personajes secundarios hasta que firmó por la Fox que intentó lanzarlo en “El hundimiento del Titanic” de Jean Negulesco, “El príncipe valiente” de Henry Hathaway o “Lanza rota” de Edward Dmytryk. En los 60 ya destaca más por sus papeles televisivos en series como “Las calles de San Francisco” o su protagonismo en “Ladrón sin destino”, aunque puede que su rol más famoso fue como Jonathan Hart en la serie “Hart to Hart” junto a Stephanie Powers. Del resto solo destaca en un par de papeles, especialmente en la saga cómica de Austin Powers. Estuvo 2 veces casado con Natalie Wood, primero durante 5 años cuando ella era muy joven, y después desde 1972 hasta 1981 en que ella falleció. 10 años después volvió a casarse con otra actriz, Jill St. John, hasta hoy.
Natalie Wood empezó en papeles secundarios de niña junto a estrellas como Claudette Colbert, Barbara Stanwyck o Maureen O’Hara. La segunda mitad de los 50 está plagada de éxitos como “Rebelde sin causa” de Nicholas Ray o “Centauros del desierto” de John Ford, pero los 60 empiezan igual con taquillazos como “”West Side Story”, “Esplendor en la hierba” o “La carrera del siglo”. A mitad de los 60 empezó a tener problemas personales y se alejó del cine. En los 70 se casó por 2ª vez con Robert Wagner y murió en un accidente, ahogada al caer del yate familiar. Estuvo 3 veces nominada al Oscar y, todavía hoy, es recordada por su especial química frente a la cámara.
Su hija con el productor Richard Gregson, Natasha, creció con el segundo matrimonio con Richard Wagner, y aunque su carrera abarca muchos títulos y años desde su debut en 1992, no pasa de papeles secundarios y poco importantes en películas menores.
Lana Wood es la hermana pequeña de Natalie y, aunque salió de niña en la película protagonizada por ella “Centauros del desierto”, fue en los 60 cuando ya se hizo su propio hueco, aunque en títulos menores y siempre a la sombra de su hermana.
A los años de la muerte de Natalie, Richard se casó con Jill St. John, una actriz estadounidense, último enlace para ambos, que destacó como actriz en algunas producciones como “Diamantes para la eternidad” de la saga Bond o “La celada” de Douglas Hickox, pero poco más se le recuerda.
De la ingente producción de todos, me decanto por la película que convirtió a Natalie en una estrella internacional junto al hombre que todas las mujeres querían a su lado.
ESPLENDOR EN LA HIERBA, Elia Kazan (1961)
Como ya he comentado antes, me dejo a mucha gente, como a John Wayne y su hijo Patrick, un icono absoluto del cine americano y su vástago que no es recordado por casi nadie, José Ferrer y su primogénito Miguel, un ganador del Oscar y una figura muy reconocida en el cine de acción y ciencia ficción de los 80, o Bruce Lee y el retoño Brandon, ambos muertos en accidentes y circunstancias paranoicas siendo muy jóvenes, pero elegir siempre deja a gente fuera y vosotros tendréis vuestras propias listas. Además, debo recordar que esta solo es la 1ª parte, por orden estrictamente cronológico de nacimiento, pero la 2ª parte está al llegar.
Si damos un vistazo a reportajes anteriores dedicados a parejas de cine (https://rockthebestmusic.com/2024/10/parejas-de-cine.html) ya encontraremos a algunos de los personajes que podrían aparecer aquí como Charles Laughton & Elsa Lanchaster, Humphrey Bogart & Lauren Bacall, Paul Newman & Joan Woodward, Richard Burton & Liz Taylor o Laurence Olivier & Vivien Leigh, pero hemos intentado centrarnos en las sagas familiares y espero que te haya interesado y lo hayas pasado tan bien como yo haciéndolo. Gracias por leer.
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