1991 es visto, hoy en día, como un año en que tuvo lugar una de las últimas revoluciones musicales a nivel masivo dentro del rock y el metal. La irrupción a nivel mainstream de bandas como Metallica, Guns and Roses o la escena grunge venida  de Seattle hace que la veamos con añoranza cuando vemos las listas generalistas, los premios de la música o lo que oyen nuestros hijos hoy en día. Es evidente que el mundo de la música ha cambiado pero, cuando miramos hacia atrás, nos damos cuenta de lo vivido.

Aquí va un listado de 30 discos que cumplen 30 años, y que para el que suscribe estas líneas siguen sonando habitualmente en su reproductor porque suenan tan frescos y actuales como entonces. Lo que tiene intentar construir un criterio propio y no seguir los medios de comunicación generalistas es que no sigues las modas y la variedad dentro del rock y el metal es lo que intento que cope estas 30 marcas de 1991. Seguro que falta alguno que para ti es importante o sobra algún otro que consideras basura, pero como siempre, solo es una lista más.

30 señas indelebles de lo que supuso un año que, hace 30 años, marcó muchas de nuestras vidas a todos los niveles. El musical, a esa edad y en esos tiempos ha quedado para siempre.

 

30 DISCOS 30 AÑOS

 

 

1.- ANACRUSIS “Manic impressions”

Banda norteamericana de Missouri que está considerada una de las primeras en cruzar el thrash metal con el progresivo. Este puede considerarse su mejor trabajo en dura pugna con su canto de cisne “Screams and whispers” de 1993. La complejidad de sus composiciones y la variedad de su propuesta, arriesgada y con una visión mucho más distante del inmediatismo los convierte en difíciles e icónicos por igual porque cuando los conoces y entras en su oferta ves la maestría de su laberinto.

 

 

 

 

 

 

2.- BAD MOON RISING “Bad moon rising”

Debut de Doug Aldrich (guitarra y coros) y Kai Swan (voces y guitarra acústica) al formar una banda nueva tras salir de Lion. Se ayudaron de Ian Mayo al bajo y Jackie Ramos a la batería, pero son ellos dos los auténticos protagonistas del álbum, especialmente Doug, que ya aquí deja bien claro que es un guitarrista y compositor excepcional. Hard rock de muchos quilates, con unos coros fantásticos, unos riffs de guitarra de primer orden y una técnica depurada que muestra todas sus habilidades con el instrumento.

Estaba claro que la década iba encaminada por otros derroteros, pero llegaron a publicar 2 discos más y Doug se hizo un nombre que le llevó a trabajar con Dio o Whitesnake entre otros.

 

 

 

3.- BLACK EYED SUSAN “Electric rattlebone”

Banda maldita, masacrada por la época que vivió por el estilo que gastaba. Dean Davidson dejó Britny Fox para formar un nuevo grupo apoyándose en el teclista de otro grupo muy reconocido, Rick Crintini de Cinderella, que aquí se encargó de las guitarras. Su estilo giraba hacia un hard rock más influenciado por el blues y el rock clásico de raíces americanas, con coros y melodías muy reconocibles. Su impacto fue casi nulo, más allá de los fans de este género, y la aventura apenas duró un par de años, pero nos dejaron este fantástico álbum con remembranzas a grupos que triunfaron en esa misma época a ambos lados del Atlántico como The Black Crowes o The Quireboys.

 

 

 

 

4.- BRITNY FOX “Bite down hard”

Tercero, y último álbum antes de su parón, de la banda norteamericana incluida dentro del glam metal. Es un claro ejemplo de los últimos estertores del género en eso años de evolución musical y tormenta estilística. Mucha gente se inclina por su disco debut, pero a mí me gusta este especialmente, algo más maduro y trabajado, con las colaboraciones de Zakk Wylde y Rikki Rockett en un par de temas, y la producción de John Purdell y Duane Baron para el sello East West.

Con Tommy Paris (sustituyendo al fundador Dean Davidson), Michael Kelly Smith, Billy Childs y Johnny Dee como integrantes del grupo, fueron devorados por las modas, y el glam ya no tuvo cabida en las listas, desapareciendo de forma fulminante por lo que el grupo tuvo un hiatus al año siguiente.

 

 

 

5.- CORONER “Mental vortex”

Son una banda tan compleja, complicada, diversa y completa al mismo tiempo que puedes elegir cualquiera de sus discos. A mí me gusta este especialmente. Puede que la complejidad de sus composiciones, la oscuridad que transmiten, la técnica abrumadora o la rabia que desprenden siendo solo 3 los músicos que son capaces de irradiar todo eso.

Ron Royce al bajo y voz, Marquis Marky a la batería y Tommy Baron a la guitarra son los músicos suizos que forman uno de los tesoros escondidos en el metal undreground. Muchos los engloban en el thrash metal, pero el peso de la técnica, su experimentación constante, alucinante virtuosismo y nacimiento bajo el abrigo de otros iconos del metal extremo como Celtic Frost los hacen mucho más que una banda de una sola cara.

La famosa portada basada en la película “Psicosis” de Alfred Hitchcock, o la versión de The Beatles “I want you” (She’s so heavy)” lo hacen más atractivo todavía por la potencia de la imagen y la lejanía estilística de los elegidos. Un álbum de culto de una banda de culto.

 

 

 

6.- FATES WARNING “Parallels”

Tras varios cambios de formación, la banda de Connecticut nos lega uno de sus discos primordiales. Con Jim Matheos (guitarra) como único fundador del grupo, aparecen ya Ray Adler a las voces, Frank Aresti a la otra guitarra, Joe DiBiase al bajo y Mark Zonder con la batería.

Su querencia hacia el metal progresivo ya es total, y la aparición como invitados de James LaBrie o Kevin Moore no hacen más que confirmarlo, así como la producción de Terry Brown, habitual en los discos de RUSH.

Uno de sus mayores logros es la capacidad para crear un disco de emoción integral, siendo muy difícil destacar uno o dos temas, logrando una cohesión compositiva que les hizo dar un paso más. La flexibilidad de Ray, la capacidad de Jim y Frank creando riffs o Joe y Mark para amortiguar las melodías con ritmos  duros y potentes, lo convierten en un álbum indispensable.

 

 

 

7.- G’N’R “Use your illusion I” & “Use your illusion II”

Publicados a la vez un 17 de septiembre de 1991, contienen 30 canciones de pura megalomanía en estado de gracia. Mucha gente los tilda como excesivos, pero su amplia paleta estilística da lugar a que aparezcan temas muy largos como “November rain”, “Coma”, “Civil war” o “Estranged”, así como la exploración de otros terrenos más alejados del hard rock que les hizo llegar a lo más alto.

La banda destaca por 2 hechos, la llegada de Matt Sorum a la batería (Steven Adler solo aparece en los créditos de 1 canción) y Dizzy Reed en los teclados, así como la colaboración de multitud de amigos y referentes musicales como Shannon Hoon, Michael Monroe, Alice Cooper o West Arkeen. También tiran mano de unas cuantas versiones que les hacen llegar a más público del imaginado primeramente, casos de “Live and let die” de los Wings de Paul McCartney o el “Knockin’ on heaven’s door” de Bob Dylan.

También destacan porque dan presencia vocal a otros miembros del grupo, más allá del propio Axl Rose, caso de Izzy Stradlin en “Dust n’ bones”, “Double talkin’ jive” o “14 years”, y de Duff en “So fine”, así como muchísimos arreglos que les acercaron a mucha gente que jamás oyeron esta música y alejaron a otros más cercanos a la crudeza del género.

 

 

 

8.- INFECTIOUS GROOVES “The plague that makes your body move”

Banda paralela de Mike Muir y Robert Trujillo, vocalista y bajista de Suicidal Tendencies respectivamente, que deriva hacia el funk metal con unas bases rítmicas absolutamente brutales y unos ritmos melódicos arrolladores. Otra de las características principales, que los hacen únicos, es el sentido del humor que Muir imprime a sus textos e interpretaciones, introduciendo la figura de Caca de Kick en los interludios entre canciones.

La pléyade de músicos que participaron en la grabación en muy larga, con Muir y Trujillo como cabezas de cartel, pero con las colaboraciones de Rocky George (Suicidal Tendencies), Dave Kushner (Velvet Revolver) o Phil Kettner a las guitarras y el mismísimo Ozzy Osbourne en las voces del tema “Therapy”, además de la banda formada por Dean Pleasants y Adam Siegel a las guitarras, Stephen Perkins y Scott Crago con las baterías y percusiones varias y Dave Dunn en los teclados.

 

 

 

9.- JUNKYARD “Sixes, sevens and nines”

Otra de esas bandas malditas, encumbradas y emparentadas con Guns ‘N Roses, pero cuyo éxito mundial, las dejó abandonadas a su suerte. El trasfondo de southern rock que acompaña a su propuesta de hard rock las hace distinguirse de otros emblemas de su generación como Faster Pussycat o L.A. Guns, pero también las dejó un escalón por debajo a nivel de popularidad y éxito. Sin embargo, los fans no olvidan su discografía como parte de una escena imprescindible, destacando sus 2 primeros trabajos como magistrales. Aquí llega su 2ª entrega, con canciones tan geniales como “Back on the streets”, “Misery loves company” y All the time in the world”.

Dave Roach a las voces, Chris Gates y Brian Baker a las guitarras, el fallecido Clay Anthony al bajo y Pat Muzingo a la batería componen uno de esos discos indispensables. Sus giras por la península ya metidos en la reunión del siglo XXI han pasado a la memoria del colectivo roquero patrio.

 

 

 

10.- LENNY KRAVITZ “Mama said”

Uno de esos personajes cuyo imagen pública atrae tantos fans como haters, pero que a principios de los 90 logró el éxito sin discusión. Aquí nos llega su 2º lanzamiento, repleto de hits que sonaron sin césar, convirtiéndolo en un suceso mundial, vendiendo millones de copias en todo el planeta.

Canciones como “Always on the run”, compuesta e interpretada junto a su amigo de la infancia Slash, “It ain’t over ‘till it’s over”, segundo single del disco, o “la compuesta junto a Sean Lennon “All I ever wanted”, junto a la enorme variedad del conjunto, tocando todos los palos posibles dentro del rock, el funk o el soul, con elementos de multitud de influencias del jazz o el folk, dando cabida a canciones tan distintas como “What goes around comes around”, “Stop draggin’ around”  o “When the morning turns to night”.

Multi instrumentista, compositor, productor y encargado de las mezclas de casi todo, dedicó el tema “Flowers for Zoë” a su hija y en mi casa ha sonado en días especiales.

 

 

 

11.- LYNYRD SKYNYRD “1991”

Época difícil y confusa para la banda, porque tras la reunión de 1987 y la decisión de reunirse de nuevo, falleció Allen Collins, guitarrista original, uniéndose a los fallecidos en la famoso accidente aéreo en 1977. Pese a ello, entran al estudio a grabar “1991”, su álbum oficial de regreso con el sello Atlantic, pero no fue un éxito pese a las expectativas.

Yo soy uno de los que se enamoró de este disco desde el principio. Supuso el regreso de Ed King a una de las guitarras, el adiós de Artimus Pyle como batería del grupo y la asunción de Johnny Van Zant de las tareas vocales y de líder del combo hasta nuestros días, siendo el único miembro reconocible junto al fundador Gary Rossington.

El álbum contiene canciones fantásticas como la inicial “Smokestack lightning”, “Southern women”, “Good thing” o el tremendo final con 3 temas arrolladores como “It’s a killer”, “Mama (afraid to say goodbye)” y “End of the road”.

La multitud de arreglos, coros y melodías que hacen crecer los temas lo han convertido en uno de esos discos que crecen y crecen con el tiempo, siendo uno de los clásicos indiscutibles de la banda para sus fans.

 

 

 

12.- METAL CHURCH “The human factor”

Cuarto álbum de la banda que presenta algunas curiosidades. Sigue siendo una banda heavy, pero algo más alejada del movimiento thrash metal y el power americano, con una contundente propuesta. Kurdt Vanderhoof, guitarra, compositor y miembro fundador del grupo, ya no formaba parte de él, limitando su aportación a la composición de 8 de los 10 cortes del redondo, siendo “In harm’s way” la que obtuvo un mayor reconocimiento y recorrido.

Mike Howe, Craig Wells, John Marshall, Duke Erickson y Kirk Arrington formaban la nueva alineación estable.

 

 

 

 

13.- METALLICA “Metallica (Black álbum)”

El álbum que convirtió a la banda californiana en una de las máquinas más engrasadas y perfectas del negocio musical. Vendió millones de copias y llegó a sacar hasta 5 singles del mismo, llegando a un público muy alejado del suyo hasta el momento al incluir baladas que se convirtieron en hits instantáneos y alejaron de su sonido más tradicional aparejado al thrash metal.

James Hetfield (guitarra rítmica y voz), Lars Ulrich (batería), Kirk Hammett (guitarra solista) y Jason Newsted (bajo) se convirtieron en estrellas mundiales y se embarcaron en una gira mundial que duró 2 años. También supuso el debut de Bob Rock como productor del grupo, repitiendo hasta 2003, entablando una relación amistosa y tormentosa por igual.

 

 

 

14.- MINDFUNK “Mindfunk”

Debut de la banda estadounidense que, uniendo las diversas influencias y querencias de sus músicos componen un álbum único. Algunos los unen a la vertiente del funk rock, otros al hard rock y otros al lado más independiente y versátil del género mezclando  su pasado en grupos anclados en el hardcore, iconos como Celtic Frost o su devenir en otros tótems como Ministry, todos ellos muy alejados de lo que aquí nos muestran.

Su vocalista Patrick Dunbar y el guitarrista Louis Svitek son los únicos que han permanecido más o menos estables en su formación, siendo responsables en gran parte del sonido del combo.

Cortes tan distintos como “Sugar ain’t so sweat” o “Big house burning” componen un redondo mágico, digno de admiración y guardado como un tesoro por todos sus fans.

 

 

15.- NIRVANA “Nevermind”

Lanzado en septiembre de 1991, no fue hasta 1992 cuando su tremendo impacto revolucionó la escena musical mundial. Hasta 4 o 5 singles se extrajeron del álbum, aunque el sencillo que no paraba ni para de sonar en todas las radios y cuyo video se emitía sin cesar en la MTV era el de “Smells like teen spirit”.

La química distante de su frontman Kurt Cobain, su acercamiento a posturas más comerciales del momento como las representadas por Sonic Youth. o los Pixies que les hicieron firmar por DGC records (filial de Geffen) y distanciarse del sello Sup Pop (emblema del grunge) y la consciente variedad de su oferta les hicieron ser la diana perfecta para la industria musical.

El disco en sí mismo contiene un amplia paleta de sonidos, desde los impactantes  trallazos sonoros como “Lithium” a los puros intimistas de “Polly”, acompañados de 2 singles que arrasaron en la escena mundial, casos de “Come as you are” y la mencionada “Smells like teen spirit”. Kurt Cobain, Krist Novoselic y Dave Grohl se sirvieron para abanderar una de las últimas revoluciones roqueras mundiales.

 

 

 

16.- OVERKILL “Horroroscope”

Overkill es una de las bandas definitivas dentro del thrash metal, pero ha pasado por tantas etapas y con tantas formaciones distintas que es muy difícil elegir un álbum que los represente. Muchos de sus fans eligen este como uno de sus favoritos. Como siempre eran liderados por Bobby “Blitz” Ellsworth a las voces y D.D. Verni al bajo y coros, pero eran Rob Cannavino y Merritt Gant los encargados de las guitarras debido a los problemas de Blitz y Verni con el hasta entonces guitarrista y compositor Bobby Gustafson, y Sid Falck de la batería, repitiendo Terry Date en la producción para Megaforce Records.

La dureza de sus temas, el añadido de 2 guitarras, la crudeza de sus textos y la tremenda intensidad y oscuridad que transmite lo convierten en un referente absoluto del género. Temas como “Coma”, “Thanx for nothin” o “Bare bones” siguen siendo tan impactantes como hace 30 años.

Año en que varias bandas lograron el estrellato mundial, pero Overkill abanderó la escena pura.

 

 

 

17.- OZZY OSBOURNE “No more tears”

Ozzy Osbourne, el famoso Madman, publicaba su 6º álbum en solitario, encumbrándose en las listas, con la consolidación de Zakk Wylde a la guitarra y la colaboración del gran Lemmy Kilmister en la composición de un par de sus hits más famosos, “I don’t want to change the world” y “Mama I’m coming home”, además de otro par mas.

Con el fallecido Randy Castillo tras los parches, Bob Daisley al bajo y John Sinclair a los teclados, se grabó con la producción de John Purdell y Duane Baron bajo el sello Epic, convirtiéndose en uno de los trabajos más exitosos de Ozzy, dando lugar a la supuesta gira de despedida No More Tours con poco más de 40 años.

Vendió millones de discos en todo el mundo y la emisión de sus videos por la MTV le ayudó a mantenerse en lo alto de las listas mucho tiempo, aunque la leyenda, legado y calidad de la música de Ozzy está muy por encima de casi todo.

 

 

 

18.- RED HOT CHILI PEPPERS “Blood sugar sex magik”

Otro de los grandes sucesos musicales del año fue protagonizado por estos californianos que, bajo el amparo de Warner y la producción de Rick Rubin, sacaron este disco que vendió millones de copias, les llevo a un gira mundial, a problemas personales, abandonos y luchas internas. Hits como “Give it away” o “Under the bridge” les encumbraron a lo más alto, pero su guitarrista John Frusciante no aguantó la presión y abandonó la banda en la gira.

La mezcla de rock, funk, hip hop y las constantes divergencias estilísticas lo hacían un elemento casi único y la mixtura de creatividad y libertad de dónde venían les dieron un puesto en el trono del rock alternativo imperante aquellos años.

Anthony Kiedis al frente, Flea al bajo, Chad Smith con la batería y John Frusciante a la guitarra nos dejaron uno de esos discos que pasaran a la posteridad.

 

 

.

19.- SAVATAGE “Streets: a rock opera”

Marcado por varias señas, este álbum es muy marcado en la discografía de la banda. Supuso el último de Jon Oliva a las voces, antes de la llegada de Zak Stevens y el penúltimo de Criss Oliva antes de su accidente mortal y del batería Steve Wacholz que había estado con ellos casi desde el principio.

Tardaron muchísimo en grabarlo bajo la producción de Paul O’Neill para Atlantic, creando un álbum conceptual que narra las vivencias de D.T. Jesus hacia los confines del fracaso según un libreto de Paul O’Neill.

Épico e íntimo en mucho pasajes, pero salvaje y desenfrenado en otros, mezclando la introspectiva melancolía de “Tonight he grins again” o “Believe” con las guitarras más agudas de “Jesus saves” o “Agony and ecstasy”.

Uno de sus discos conceptuales de los que se erigieron como maestros junto a “Dead Winter dead” (1995) o “The wake of Magellan” (1997).

 

 

 

20.- SKID ROW “Slave to the grind”

Enorme álbum que endureció el sonido de una de las bandas que, apenas un par de años antes, lideraban el movimiento hard/glam en los Estados Unidos. Presenta a la formación más querida por sus seguidores, con Sebastian Bach a las voces, Dave “Snake” Sabo y Scotti Hill a las guitarras, Rachel Bolan al bajo y Rob Affuso a la batería.

El enorme éxito de alguno de los singles extraídos de él como “Monkey business”, “Wasted time” o “Slave to the grind” lo encumbraron a las listas de discos más vendidos, llegando al número 1 del Bilboard americano.

Las giras consecuentes les juntaron con lo más granado del mercado de la época como Guns N’ Roses, Pantera o Soundgarden. Sin embargo, este éxito supuso el inicio del fin porque los problemas empezaron y, tras el poco éxito de su siguiente disco, Bach y Affuso abandonaron el grupo y los devaneos constantes del resto han hecho casi desaparecer la leyenda que parecía que iban a crear.

 

 

 

21.- SOUNDGARDEN “Badmotorfinger”

Tras dos EP’s y 2 LP’s llegó el álbum que les colocó en boca de todos aprovechando el tirón de Nirvana y del boom de todo lo relacionado con Seatlle en el mundo de la música. A nivel personal conocí este disco antes que el “Nevermind” y me parece muy superior, pero las modas son las modas y la industria genera estas olas.

Supuso el debut discográfico de Ben Shepherd al bajo uniéndose a Matt Cameron a la batería, los tremebundos riffs de la guitarra de Kim Thayill y la garganta privilegiada de Chris Cornell, facturando un álbum que muchos de los fans del metal de los 90 lo tenemos en un altar.

Canciones como “Rusty cage”, “Outshined” o “Jesus Christ pose” demostraban que su talento y creatividad estaba a un nivel estratosférico y el tsunami que nacía el noroeste americano arrasaba con todo. Aprovechó el éxito del disco que Cornell editó con otros músicos de Seattle en homenaje a Andrew Wood con Temple of the dog o su aparición en la película “Singles” de Cameron Crowe, aunque sería su siguiente ábum “Superunknown” el que les daría su mayor éxito.

 

 

 

22.- STEVIE RAY VAUGHAN “The sky is crying”

Algo más de un año tras su muerte, la discográfica Epic Records sacó al mercado un disco póstumo con material grabado por Stevie Ray Vaughan & Double Trouble en sus años más fructíferos y exitosos. El redondo incluye clásicos como el tema que da título al álbum de Elmore James, otras versiones de Jimi Hendrix, Howlin’ Wolf o Willie Dixon, así como temas propios como “”Empty arms” (publicado anteriormente en el disco “Soul to soul”) o “So excited”.

No está considerado entre sus mejores discos, pero mantiene intactas sus constantes y su estilo único, acompañado por Chris Layton, Tommy Shannon y Reese Wynans a la batería, bajo y teclados respectivamente.

 

 

 

 

23.- TATTOO RODEO “Rode hard, put away wet”

Dennis Churchill-Dries, Rick Chadock y Rick Wright forman una de las bandas más particulares y apreciadas de esos años. Su pasado dentro del AOR y su entrada en el rock con claras influencias del blues que demostraron aquí nos da por pensar que no son los mismos músicos, pero sí, lo son. La clase, elegancia y gusto con la que nos muestran sus composiciones, muy cercanas a las raíces americanas, con un claro deje country y blues en ellas, aunque se les considera como uno de los secretos mejor guardados entre los roqueros de pro.

Temas como “Been your fool”, “Blonde ambition”, “Tell me why” o “Let me be the one” son una muestra clara de ser uno de los discos representativos de un año imprescindible dentro del rock.

 

 

 

24.- TEMPLE OF THE DOG “Temple of the dog”

Proyecto personal de Chris Cornell para homenajear a su compañero de piso Andrew Wood, cantante del grupo Mother Love Bone, que falleció por sobredosis de heroína, al que se juntaron su compañero en Soundgarden Matt Cameron en la batería, los guitarras de Pearl Jam Stone Gossard (ex Mother Love Bone) y Mike McCready y el bajista del mismo grupo Jeff Ament (ex Mother Love Bone). Se unió Eddie Vedder, vocalista de Pearl Jam, en los coros de 3 canciones y la voz principal de otras 2.

Fue un éxito y contiene 2 temas que se consideran clásicos como “Say hello 2 heaven” o “Hunger strike”, destacando la larguísima “Reach down” de más de 11 minutos.

De ese germen nació Pearl Jam, pues Gossard, Ament, McCready, Vedder, y posteriormente Cameron, formaron parte del grupo.

 

 

 

25.- TESLA “Psychotic supper”

Tercer álbum de la banda norteamericana de hard rock compuesta por Jeff Keith a las voces, Tommy Skeotch y Frank Hannon a las guitarras, Brian Wheat al bajo y Troy Luccketta a la batería. Fue el último disco en obtener buena acogida antes del boom mediático de Seattle y contiene alguno de sus hits más representativos, casos de ”Edison’s medicine”, “Song & emotion” o “What you give”.

Su perfecta combinación de hard rock y raíces blueseras les hacen tener muchos seguidores en varios frentes dentro del rock, y su anterior “Five man acoustical jam” los puso en un disparadero que la MTV se encargó de explotar.

Hasta 5 singles sacaron de este disco publicado por Geffen bajo la producción de Michael Barbiero.

 

 

 

26.- THE ALMIGHTY “Soul destruction”

Segundo disco de la banda escocesa formada por Ricky Warwick a las voces, Floyd London al bajo, Stump Monroe a la batería y Tantrum en la guitarra. Su hard rock poderoso y rabioso siempre le ha emparejado con las raíces punk de las que venían sus miembros. Producido por Andy Taylor (ex Duran Duran) para Polydor se hizo un nombre entre las bandas británicas que hacían resurgir el hard rock por todo lo alto.

Hasta 3 singles lograron sacar de este álbum, casos de “Free ‘n easy”, “Devil’s toy” y “Little lost sometimes” y les llevó a girar con bandas del calibre de Megadeth o Alice Cooper. Logró unas ventas y popularidad muy meritorias haciendo crecer su nombre entre los fans, pero la oleada grunge estaba por llegar.

 

 

 

27.- THE CULT “Ceremony”

El quinto álbum de los británicos confirmaba la constante e imparable evolución de su trayectoria al igual que supuso un trauma constante. El bajista Jamie Stewart abandonó la banda antes de entrar a grabar, las disputas entre Ian y Billy alcanzaron su cénit hasta el punto de entrar a grabar sus partes por separado. El alcohol bañaba sus días y las luchas constantes por el devenir del grupo puede que desembocaran en los incontrolados y rabiosos riffs de Billy y, sobretodo, en esos punteos desmadejados que decoran todos los recovecos de las canciones. Igualmente, el acercamiento de Ian a la cultura nativa norteamericana ya era descarada, introduciendo bailes tribales en varios temas y la cara de un niño indio en la portada cuya familia demandó a la banda.

Ciñéndonos a lo estrictamente musical, es de un salvajismo desbordante, suena atronador, contiene alguna de las canciones que sus fans más aprecian (aunque ellos siempre reniegan de este álbum), caso de “Ceremony”, “Wild hearted son” o “Heart of soul” y dejan alguna de sus baladas más sentidas como “White”, “If” o “Sweet salvation”.

Personalmente es un disco importantísimo para mi porque les llevó a una gira mundial, Ceremonial Stomp, que me hizo verlos por 1ª vez en directo, y me descubrió un mundo nuevo que todavía no ha terminado.

 

 

28.- THE FOUR HORSEMEN “Nobody said it was easy”

Banda californiana marcada por dos cosas principalmente, Rick Rubin y la tragedia. El primero porque fue fundamental en la creación del grupo y productor de este primer LP del combo donde dan muestra de su maestría en todas las vertientes del rock. La escena grunge y los problemas con las drogas de varios de sus miembros los hicieron diluirse entre el bullicio, pero la incontestable calidad de sus composiciones fue agrandando la mítica y convirtiéndolos en el gigante underground que son hoy en día para el público roquero.

2 de sus músicos, el vocalista Frank C. Starr y el batería Ken Montgomery fallecieron y multitud de músicos han pasado por sus filas alargando su grandeza, pero puede quedar este redondo como muestra de su pasado. Canciones tan insignes como “Rockin’ is my business”, “Can’t stop rockin’”, “75 again” o la que da nombre al disco sirven de ejemplo de lo que estamos hablando.

 

 

 

29.- THE SCREAM “Let it scream”

Una de esas bandas que prometían muchísimo, tal y como se ve en este debut, pero que la explosión del boom de Seattle y la realidad musical llevó a varios de sus miembros a buscarse la vida por otros lares. Scott Travis fue el batería original del combo, pero se mudó a Judas Priest para suplir a Dave Holland antes de grabar este disco, y John Corabi emigró a las huestes de Mötley Crüe para suplir a Vince Neil al poco de sellar su talento en este álbum. Tan solo el guitarrista Bruce Bouillet (ex Racer X) y el bajista John Alderete (ex Racer X) aguantaron el tirón con el trabajo del batería Walt Woodward III (ex Shark Island). También destacan las colaboraciones de Ray Gillen y Jeff Martin, de Badlands, en los coros de “You are all I need” o del teclista Jimmy Waldo con el hammond en “Love’s got a hold on me” y “You are all I need”.

Hard rock de raíces bluesies con mucha tradición y estilo que no tuvo casi ninguna repercusión, pero que con el paso del tiempo se ha ido convirtiendo en una pieza de coleccionista indispensable para cualquier amante del género. Una auténtica maravilla.

Temas como “I believe in me” o “Never loved her anyway” muestran esas caras de rock tradicional que mostraban, dejando otras como “Tell me why” donde mostraban más el background de sus músicos en sus grupos anteriores.

 

 

 

30.- WHITE LION “Mane attraction”

Disco final de la discografía de una de las bandas definitivas del glam metal americano, dominado por la inconfundible genialidad de su guitarrista Vito Bratta. Con una formación estable casi desde el principio, con Mike Tramp a las voces, James LoMenzo al bajo y Greg D’Angelo a la batería, todas sus composiciones vienen marcadas por la maestría de Vito con las 6 cuerdas, marcando un estilo inconfundible, un potente juego de las bases rítmicas que conjuga muy bien con la melódica voz de Mike Tramp.

Greg venía de Anthrax y James volaría a Black Label Society y Megadeth en el futuro lo que hace entender el endurecimiento progresivo del sonido del grupo. Aquí destaca también la perfecta producción de Richie Zito tras los mandos y la perfecta mezcolanza de temas más melódicos, como el single “Love don’t come easy” o “You’re all I need”, con otros más roqueros como la inicial “Lights and thunder” o “Warsong”.

 

 

Seguro que has ido leyendo y pensando que falta este o aquel, pero tan solo pretende recordar un año que para muchos de nosotros fue importante y marcó un hito importante en el mundo de la música rock. Espero que lo hayas disfrutado y sirva para recordar o desempolvar alguno de ellos que, a lo mejor, tienes olvidado por ahí.

by: Eduardo Garrido

by: Eduardo Garrido

Roquero, cinéfilo, lector empedernido que estudió Derecho para trabajar en una biblioteca y disponer de pelis, discos y libros a mano

3 Comentarios

  1. Ramiro Losada González

    Muchas gracias por el especial!!Muy completo e instructivo!!; Abarca todos los estilos con gran gusto!!!.👌👏👍🙏

    Responder
  2. Edu

    Muchas gracias Ramiro, ya sabrás que tu hermano siempre te nombra como la eminencia que eres, y viniendo de ti estoy todavía más agradecido

    Responder
  3. Tensio

    Y el Ten de Pearl Jam!!???
    Salió en Agosto del 91

    Responder

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