Hace tan solo un par de semanas, Brian Lambert publicaba su último álbum, “Wild”. El músico y vocalista tejano (voz de la banda post-new wave The Star Crumbles, proyecto que comparte junto a otro genio a seguir: Marc Shuster) nos ofrece una perspectiva completa sobre su forma de entender la música, una serie de canciones que resultan a la vez melancólicas y frescas. Además de ser uno de los cantantes más queridos y valorados de las escena independiente norteamericana, los valores que caracterizan su personalidad, afable, cercana y en realidad, cautivadora, relucen sin complejos en cada una de sus letras y sílabas. Además, es bilingüe –y por si no lo he dicho, encantador, así que ha hecho la totalidad de esta entrevista en castellano.
“Wild” cabalga entre géneros musicales adaptándolo a sus propias necesidades, intercalando versiones EDM de Pink o Gorillaz con temas propios indudablemente rockeros, con influencias notables de los mejores momentos de Foo Fighters o Queen of the Stone Age, pero con tal originalidad y descaro que me convence de enamorar a los fans de Weezer.
He escuchado este álbum en distintas ocasiones, en soledad, preparándome para esta entrevista; y posteriormente rodeado de increíbles músicos, y también junto a Brian en la fiesta de lanzamiento a través de Bandcamp. Sí, se ha convertido en algo personal, en un LP que he vivido minuto a minuto, desde su anuncio al último videoclip ideado junto a John Woodson junto a Lambert. Sin embargo, no quiero alargarme mucho en mi propia percepción, las palabras que he intercambiado con Brian me parecen mucho más interesantes. Solo debo añadir que es uno de los mejores álbumes que he escuchado este año, y que estoy seguro de que dará mucho que hablar en los que están por venir.
Entrevista a Brian Lambert
Hola, Brian. Gracias por prestar tu tiempo a Rock, the best music. ¿Cómo introducirías a alguien que no te ha escuchado a tu música?
Muchísimas gracias por la oportunidad de hacer una entrevista en español. Mi madre estará feliz de que use el título que conseguí. Pues, Scoopski recientemente hizo un post de cinco artistas que componen el cocktail de su música. Creo que la música mía es una mezcla de los Gorillaz, Beck, Spoon, The Killers y The Replacements.
Llevas un ritmo de trabajo difícil de seguir, tanto en solitario como con ‘The Star Crumbles’, ¿Crees que este ritmo de producción beneficia a tu música, o temes que algunas buenas canciones puedan ser enterradas en otras?
Estas son dos preguntas que pueden ser verdad. Creo que me preguntas si hacer tanto trabajo está perdiendo a muchas (canciones) por falta de atención y (la posibilidad de) tener un momento, o una canción que triunfe. Es posible, pero a la misma vez, tengo que hacer música. Por resultado mi habilidad de expresarme siempre se vuelve más rica. No tengo el control sobre como es recibido mi trabajo, por eso lo hago y comparto con la intención de hacerlo en la manera más divertida posible, y entonces repetirlo.
Haces un trabajo fundamental en redes sociales a diario, concienciando sobre la salud mental y la importancia de comunicarnos como personas, ser capaces de decirnos “te quiero”. ¿Cómo crees que afectan la depresión o la ansiedad a los músicos?
Lo que he observado es que es común que los músicos son personas con dificultades en expresarse en la vida diaria. Para ser músico necesitas pasar mucho tiempo solo, aprender tu instrumento, entonces tiene perfecto sentido que sufran de depresión o ansiedad. Creo que hay un mito que necesitan este tormento de la mente para crear. En mi experiencia, soy más capaz de expresarme con el trabajo de cuidar mi salud mental. Hace dos años hago una terapia intensiva que se llama EMDR. EMDR es el acrónimo en inglés de Eye Movement Desensitization and Reprocessing, en español, Desensibilización y Reprocesamiento por medio de Movimientos Oculares, una terapia especial para quienes siguen padeciendo las consecuencias de experiencias traumáticas tales como accidentes, abuso sexual o maltrato fisico. Todos hemos experimentado algún forma de trauma, tal vez incluso religioso o algún trauma complicado de la familia. Quizás algo no tan extremo como el abuso, pero que aún así hizo daño. Opino que los artistas puedan expresarse mejor con terapia. También quiero destruir el arquetipo del artista que tiene que sufrir para crear.
Este mensaje positivo a menudo es parte de tu música, ¿es una decisión que tomas, apartar las letras más oscuras o siniestras para centrarte en mensajes positivos? Considero que es mucho más difícil escribir una canción “positiva” que una “negativa”, ¿qué opinas tú al respecto?
Depende de su propósito. El propósito mío fue dar algo bueno al mundo. Hay tantos mensajes negativos en todas partes. El trabajo de escribir letras positivas es una extensión natural del trabajo que hice acerca de la salud mental. Cuando escribo letras, es mejor cuando es algo que viene del subconsciente sin pensar demasiado. Lo más importante es que “it sounds cool” o traducido “suena chido”. Entonces si las letras son positivas es una extensión de donde estoy en mi viaje mental. Pero todo ese puede cambiar. No sé a dónde irá el camino de mi arte. Es posible que la próxima materia (que trate en mis letras) sea más oscura o siniestra.
Te quiero preguntar por un fenómeno reciente, cuanto menos curioso, que ha llamado mi atención… Las redes sociales (y el trabajo de investigación de algunos músicos de country muy queridos) evidencian que hay músicos sacados de la nada, que consiguen cientos de miles de seguidores en cuestión de días sin que nadie haya escuchado una canción suya o ido a uno de sus conciertos… ¿Qué relación crees que tienen estos fenómenos con la política? ¿Crees que la industria musical tiene intereses ocultos? ¿O es una máquina tan hambrienta que se traga lo que le den de comer?
¡Qué rebuscado! Pero es la verdad. No sé el término en español pero se llama “astroturfing” en inglés. Astroturf es césped artificial: como los seguidores que aparecen de nada. Es crear la apariencia de algo importante o más grande de lo que de verdad es. Esto es usado especialmente en política, y no estamos hablando. Hay un refrán en inglés que traduce a “fingir hasta que lo hagas”. Eso no vale nada en el mundo digital. En cualquier sentido que sea posible, es mejor se honesto.
La industria musical no existe en sí misma, no en el sentido que existía antes. Hay grandes corporaciones que solo tienen el interés de ganar dinero. Creo que hay personas trabajando en estas compañías a las que todavía les importa la música pero ellos no toman las decisiones. Hay algunos labels como Subpop o Matador que todavía apoyan a los artistas y ayudan a lanzar a una audiencia más grande. Pero son raros. Los grandes labels no desarrollan aristas y están comprando “pegados” para ganar dinero. Para mí, no me importa. Estoy fijado en crear arte y comunidad. La música ha sido antes y seguirá siendo después de que todas las instituciones no existan. La gente necesita música, así que la gente hará música.
Las plataformas de streaming agotan a los músicos con exigencias de publicidad, manejo en redes sociales, imagen, vídeos musicales… ¿Crees que es realista pedir a un músico independiente, esos conocimientos o capacidades de marketing? No parece posible dedicar el tiempo suficiente a tu música y a la vez a la promoción indiscriminada, ¿qué opinas?
Quizás esto depende del punto de vista. Si ves estos trabajos como dos cosas distintas entonces sí parece injusto tener que aprender una habilidad que no pertenece a la música. Por otro lado, si te ves como un artista y todo lo que haces es una extensión de tu obra, entonces esta es una oportunidad de expresarte de otra manera. Cuando pienso así, la publicidad llega a ser divertida en vez de un trabajo. Hay una presión de saber como hacer publicidad como un profesional y esto es imposible. Creo que sería mejor si las artistas enfoquen su fuerza en crear arte divertido para compartir en las redes sociales y ser social.
¿Puede un músico independiente competir con un músico firmado por una gran discográfica? ¿Se puede vivir de tu propia música de forma autosuficiente?
No veo como una competencia. Un artista de toda la vida tiene que hacer su propio camino para poder vivir de su propia música. Esta es la realidad y siempre ha sido así. Los artistas que ganaron gran fama y dinero de su arte son raros. Pero entre esta realidad había tantos artistas que pueden sobrevivir de su propio trabajo. Es difícil, seguro, pero no es diferente que en otros tiempos. En realidad, para un artista de hoy hay muchos más caminos. En el pasado si no tenían un label, no podían hacer nada. Los problemas son diferentes con toda esta música disponible, pero pueden hacer su arte y dárselo al publico mucho fácil.
En tu nuevo álbum, «Wild», incluyes temas propios bastante nuevos como «Nobody Seems to Understand» y versiones como «Breed», ¿Qué diferencias entre estas versiones y las anteriormente publicadas consideras más notables?
Pues por razones que yo convertí a mi favor tuve que cambiar algunas canciones del álbum Auto matic Im Perfect. Por eso grabé la nueva canción Wild. Esta canción tiene un sentimiento particular y tuve que masterizar de nuevo el resto de las canciones. Quería que el sonido se sintiera cálido y un poco viejo pero a la misma vez muy moderno. No sé si habré resultado exitoso pero eso fue lo que intenté.
Cuentas con un elenco de músicos importante, alguno de ellos muy recurrentes en tu música, como Marc. ¿Cómo surgen estas colaboraciones? ¿Abres tu música a sus interpretaciones, o diriges cada paso artístico en la canción?
Pues el primero fue con Marc y este paso con una canción de mi 52 Music Production Challenge, que se llama Kids. Le pedí algunas partes de sintetizador. Después de terminar el Challenge, Marc me presentó música y me preguntó si quería cantar sobre la música, y así nació The Star Crumbles. De este punto, han sido otros músicos pidiéndome que trabaje con ellos. En mi manera de colaborar es importante que los músicos hagan cosas de su propio estilo. No quiero trabajar con alguien para hacer algo que puedo hacer por mí mismo. Cuando trabajo con alguien es por saber su interpretación, entonces no tiene sentido dirigir la canción tanto.
¿Cómo ha sido el proceso compositivo de este álbum? ¿Hay un «Método Brian Lambert» a estas alturas? ¿O tus métodos son tan eclécticos como tu música?
No hay un método mío. Cada canción es diferente, cada grabación. Por eso cuando hago un álbum es importante mezclar y masterizar todos las canciones a la misma vez para dar un sentido de cohesión. Si lo hiciera en un momento diferente los resultados serían diferentes. Todos los días son diferentes, entonces la manera en que hago algo va a ser diferente. La única constante es que siempre estoy trabajando en música.
Respecto a la parte técnica, ¿qué puedes contarnos de la experiencia de grabar y producir este álbum?
Pues la primera canción fue la última grabada y a este punto yo quería un sonido crudo y vital así que no he hecho mucho con la mezcla. La mayoría de las otras fueron grabadas durante el 52 Week Music Production Challenge, como Start Has Begun y Breed. Entonces, la realidad es que este no es un álbum nuevo. Pero como la mayoría de la gente no ha oído estas canciones, esto me presentó la oportunidad de mezclar de nuevo y dar estas canciones una vida nueva.
De nuevo, gracias por compartir tu música y tus opiniones con nosotros, es un placer hablar contigo. ¿Alguna recomendación para prepararnos para Halloween?
El placer ha sido mío. Haz decoraciones, mira muchas películas de terror, y lo más importante es divertirse.
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