Led Zeppelin II

De: metalsymphony.com

Grabado a salto de mata de mayo a septiembre de 1969 en diferentes estudios: A&R, May Fair, Groove Sound y Juggy Sound en Nueva York; Sunset, Mystuc y Mirror Sound en Los Ángeles; Olympic y Morgan en Londres. Y en un estudio en Vancouver de cuyo nombre nadie quiere acordarse, y que Robert describió como “una choza “.

Producido por Jimmy Page, con Peter Grant como productor ejecutivo. Ingenieros: Edwin H. Kramer, Andrew Johns, George Chkiantz y Chris Huston.

Editado el 22 de octubre de 1969 en EE.UU. (numero de catalogo: Atlantic SD 8236). Reeditado en 1971 con referencia SD 19128. Se publico también un prensaje especial dentro de la serie Atlantic Mobile Fidelity Sound Lab en 1970.

Posición mas alta en las listas: 1 (siete semanas seguidas). Semanas en listas: cuatro años seguidos en el Top 100 (con 53 semanas entre los 10 mas vendidos). Retornos al Top 200 en 1975 y 1979.

Editado el 31 de octubre de 1969 en el Reino Unido (numero de catalogo: Atlantic 588 198). Reeditado en 1972 (referencia: Atlantic K40037).

Posición mas alta en las listas: 1. Semanas en listas: 138.

Editado en España por Hispavox (referencia Hats 421-43) en 1969.

Reeditado en CD en 1987 en EE.UU. (Atlantic 240037). En 1994 se edito una versión remasterizada en CD por Page (Atlantic 7567-82633-2). En 1993, se incluyo dentro de la caja The Complete Studio Recordings.

En Australia, el club del disco RCA edito en 1970 una versión (referencia: Atlantic 9205) de este plástico como “disco del mes “, para distribución entre sus suscriptores y con una portada distinta (la original se sustituyo por una foto en directo). El mismo club despacho copias de esa edición en Alemania. En este ultimo país, la compañía distribuidora de Atlantic junto los dos primeros trabajos del cuarteto en un empaquetado doble especial, dentro de la serie Kinney/Atlantic “Two Originals Of “. La portada representaba a un falico dirigible. Al no contar con la aprobación de la banda, este lote fue retirado. En Yugoslavia se prensaron también ejemplares de dicho doble. Los alemanes no escarmentaron y volvieron a sacar el mismo conjunto, pero esta vez con portada abierta y el titulo Led Zeppelin 1 and 2 (Atlantic AK 235). Esta edición también fue retirada. Todos estos prensajes están hoy extremadamente cotizados.

Observaciones

El libro All Time Top 1000 albums, publicado por la editorial Guinness en 1994, sitúa a este elepé en el numero 1 dentro de los 50 mejores álbumes de heavy metal. La revista Rolling Stone público en 1987, con ocasión de su vigésimo aniversario, una lista con los 100 mejores discos aparecidos durante el periodo 1967-1987. Led Zeppelin II figura en ella en el numero 83. En febrero de 1996, otra publicación, Guitar, incluyo a este álbum dentro de una clasificación de los 50 plásticos mas importantes en el desarrollo de la guitarra rockera.

Portada Posiblemente, la mas floja de todo el impresionante arsenal de cubiertas zeppeliniano. El diseño se basa en un póster de David Juniper. El anverso muestra una foto de 1917 que representa a un escuadrón de pilotos alemanes (el Jasta) durante la Primera Guerra Mundial. El que parece estar sentado sobre el ala de un avión es el celebre Baron Rojo. Falta su careto, que al igual que a los demás, le fue sustituido por Juniper con fotos de los miembros del grupo y de su entourage (Richard Cole es el primero por la izquierda). La cabeza de mujer pertenece a la actriz inglesa Glynis Johns (que interpretaba el papel de la madre en la versión cinematográfica de Mary Poppins). Su inclusión parece ser una coña a costa de Glyn Johns, ingeniero del primer álbum de la banda. Si la fachada no es especialmente vistosa, mucho peor es el encarte interior. Una bodriosa y horterisima ilustración de un zeppelín dorado surcando los cielos por encima de varios reflectores y de un templo griego o romano, en cuyos pilares están grabados los nombres de los cuatro músicos. Una estela que cubre la parte derecha del dibujo contiene los títulos de las canciones y los créditos. Los aficionados españoles se quedaron mucho tiempo sin la posibilidad de contemplar tamaño desaguisado (no es que se perdieran mucho tampoco), pues en las ediciones patrias la portada no se abría y los créditos (no todos) se imprimían en la contraportada traducidos al castellano. Hubo que esperar a la entrada de España a la Comunidad Europea para que, en la segunda mitad de los ochenta, llegasen hasta nosotros reediciones alemanas de WEA (propietaria, ya por entonces, del catalogo de Atlantic) que reproducían en su integridad el empaquetado original. Por ultimo, señalemos que fue el color sepia del envoltorio lo que hizo que los fans apodaran al disco The Brown Bomber (El bombardero marrón).

Contenido

La consagración. El plástico que convirtió a los Zep en las estrellas mas rutilantes del universo rockero. Y el desencadenante de una verdadera zeppelinmania a ambos lados del Atlantico. Editado en América cuando el anterior estaba aun en el numero 18, con mas de 800.000 copias vendidas en 40 semanas, entro en listas en el numero 199. De allí salto hasta el 15, precipitándose hasta la segunda posición en su tercera semana. Allí achucho al Abbey Road de los Beatles durante un mes. Finalmente, el 27 de diciembre de 1969, consiguió el numero uno en la prestigiosa clasificación de la revista Billboard, posición que mantendría durante las siguientes seis semanas. Era algo impresionante para un conjunto que acababa de celebrar su primer cumpleaños. Era también la primera vez que la banda conseguía los máximos laureles comerciales. A partir de entonces, seria rutina.

En su tierra natal ocurrió tres cuartos de lo mismo. Desde el 8 de noviembre se mantuvo en las listas británicas durante nada menos que 138 semanas. El puesto de honor se lograría en febrero de 1970. El resto del mundo occidental seguiría la misma tónica.

Si el “Brown Bomber ” llego a convertirse en algo congénito a las listas de ventas de todo el planeta, su contenido ha venido incrustándose desde entonces en el inconsciente colectivo rockero. Como escribió el periodista y escritor norteamericano Cameron Crowe en el libreto de la caja recopilatoria de 1990: “para una generación de chavales, la angustia adolescente se aliviaba con un buen par de cascos y una copia en buen estado de Led Zeppelin II. Ahora esa generación tiene sus propios chavales, y esas grabaciones suenan aun mejor “.

Es fácil de comprender si se escucha el disco. Esta repleto de hercúleos y a la vez pegadizos riffs que parecen zumbar a traces del aire. De atronadores y perfectamente colocados breaks de batería que se abalanzan sobre ti de improviso y desde cualquier rincón. De arrogantes pero cachondetes versos de lujuria y mujeres malas. De mareantes efectos estereofónicos. De cambios de ritmo vertiginosos. De gritos poderosos. Todo ello produce una sensación exultante, de vértigo. Pura adrenalina. Es un elepé con el que te puedes pasar todo lo que dura tocando una imaginaria guitarra. Con el que puedes desfogar todas tus neuras mediante un torrencial baño de sudor. Como toda la buena música, te empuja a una sensación de trance; te es imposible concentrarte en otra cosa cuando lo oyes. Un ejemplo: “Cada vez que lo escucho en una habitación llena de gente, me quedo con la boca abierta “, comentaba al respecto Gaz, del combo brit pop Supergrass, en el numero de agosto del ’95 de la revista Q.

Material idóneo, en suma para anestesiar complejos en un tiempo tan complicado como la adolescencia. El proverbial tronco al que agarrarte. Así lo entendieron ­-y lo entienden aun- millones de chavales (como Brett Michaels -el de Poison-, por ejemplo).

Pero, como todo en Led Zeppelin, la cosa no es tan simple. El rotundo y enfático sonido resultaba entonces -y lo sigue siendo ahora- absolutamente magistral. Así como la amplitud y variedad de trazos dentro de su compacto estilo. No hay mas que escucharlo detenidamente para darse cuenta de la multitud de detalles, de matices, del empaque de las canciones, que convierten a este disco en una experiencia sonica de lo mas estimulante a cualquier edad y en cualquier momento.

Es mucho mas que el arquetípico -y perennemente imitado- álbum de rock duro o de heavy metal, como se le suele catalogar. Cierto es que se aleja definitivamente del blues rock y con el se estructuran todos los clichés típicos de tales géneros (del héroe de la guitarra al vocalista viril). A pesar de ello, también es verdad que -como los verdaderos clásicos- va mucho mas allá de lo convencional en los mismos. Como se escribió en Rolling Stone en 1987 a propósito del cuarto álbum, pero que es aplicable al segundo: “Led Zeppelin invento el heavy metal, para ir después a años luz mas allá de el “.

Para acabar, hay que apuntar en la cuenta de Jimmy y del ingeniero principal -el ingles Eddie kramer, conocido por sus discos con Hendrix y Traffic- lo prodigiosa que resulta la uniformidad estilística y de producción, si se tienen en cuenta las frenéticas y prolongadas condiciones de composición y grabación, como ya vimos. Fueron especialmente duras para Page, cuya agenda de trabajo llego a ser en ciertos momentos de locura. Por ejemplo: cogia un avión en Salt Lake City después de un bolo para ir a mezclar a los estudios A&R de Nueva York; inmediatamente después de acabar la sesión, volvía al aeropuerto para reunirse con los demás en Los Ángeles. Así día tras día.

La tensión acumulada era tanta, que el guitarrista empezó a tener dudas de la valía de su obra: “cuando salio, estaba harto [del álbum]. Lo había escuchado tantas veces en tantos sitios. La verdad es que había perdido confianza en el. Aunque la gente me decía que era estupendo, yo no estaba muy convencido “. No tendría por que haberse preocupado. El triunfo fue mayúsculo, tanto en lo artístico como en lo comercial. Y es indudable que el caos de las giras interminables, de la vida en la carretera, se reflejo en la incomparable magnitud física de la obra. Como ha declarado el propio Plant: “en lo que a mi respecta, fue un buen, incluso brillante, álbum de carretera “.

Canciones

WHOLE LOTTA LOVE. “Pocos temas muestran en menos minutos o en menos compases lo que es todo un universo musical, un sonido y una leyenda “, ha escrito Jordi Sierra i Fabra sobre esta cancion.

Construida en torno a un fabuloso riff de tres notas de Page (de los mas celebres de la historia del Rock), es impresionante como Jimmy otorga una dimension de abrumadora carnosidad a algo tan basico mediante el uso de guitarras superpuestas y la colocacion en primer plano del bajo de Jones, que dobla las guitarras y crea un enfasis distorsionado en la escala de graves. Y ya, que decir del rasgueo del estribillo, una slide tratada con eco que parece precipitarse al vacio, efecto que el guitarrista se habia inventado años antes en una sesion con Mickie Most.

La voz de Plant -grabada en una sola toma, desde la nerviosa tos del principio, que ya pone al oyente en guardia, hasta los aullidos finales- esta que se sale. El unico problema es que tanto la melodia vocal como pequeñas porciones de la letra estaban tomadas del “You need love “, un clasico del blues de Chicago compuesto por Willie Dixon y grabado por Muddy Waters en 1962. En 1985, Dixon demando a Led Zeppelin por ello (tardo tanto porque, segun el, no habia oido el tema zeppeliniano hasta 1983). Se llego a un arreglo sin pasar por los tribunales, aunque los miembros de la banda ya no eran responsables al haber vendido sus derechos mucho antes.

Lo que desde luego no tenia nada que ver con Dixon era la famosa “seccion central ” de “whole lotta love “. La banda sonora del fin del mundo o de una pelicula jupiteriana. Dos minutos de delirio en los que los platillos de Bonham sirven de colchon a un maremagnum sonoro de proporciones epicas. Bongos, guitarras torturadas hasta el paroxismo, sirenas y todo tipo de ruidos y efectos se cruzan con los gritos de Plant que parece estar corriendose. El orgasmo hecho música. El complemento perfecto a versos como “voy a meterte hasta la ultima pulgada de mi amor “. Algo inenarrable que tenia como final algunos de los segundos mas excitantes de la música grabada con el redoble de Bonham de vuelta al ritmo entrecortado inicial y el fogonazo de Jimmy antes de la repeticion del tema central.

Lastima que esta innovadora experiencia quedara fuera de la versión en sencillo que se edito en todos los mercados menos en el britanico, donde Grant hizo valer las clausulas del contrato del grupo para frenar un prensaje que tenia que ponerse a la venta el 5 de diciembre de 1969. Eran una banda de álbumes y, ademas, no estaban dispuestos a plegarse a las imposiciones de las radioformulas.

No ocurrió lo mismo en otros territorios. En America, Atlantic mutilo “whole lotta love ” y la saco en solitario en noviembre -con “Living Loving Maid ” en la cara B- ante la insistencia de los programadores radiofonicos. El sencillo vendio un millon de copias en cinco semanas, y se mantuvo mas de tres meses en listas, alcanzando un estupendo numero 4 en la de Billboard a finales de enero de 1970. En Europa se convirtio también en un superexito (expecialmente en Francia y hasta en España), alcanzando la primera posición en Belgica y Alemania. Al grupo no le hizo ninguna gracia el tema, pese al triunfo, y Page llego a declarar: “No queriamos que nada de eso ocurriese, y no nos presionaran en cosas asi nunca mas “.

Protestas aparte, el tema se hizo popularisimo, hasta en convertirse en todo un standar, versioneado decenas de veces por artistas de toda indole (desde Tina Turner hasta la orquesta sinfonica de Londres). Una adaptacion instrumental de CCS (una anonima banda puesta en marcha por Alexis Komer, uno de los padres del blues britanico), que alcanzo el numero 13 en Gran Bretaña en octubre del 70, se convirtio en la sintonia de Top Of The Pops, el programa musical por excelencia de la television britanica. De esa manera, la cancion de los Zep acabo filtrandose “en la conciencia de todos los fans del pop del país, fueran o no fans de Led Zeppelin “, como ha escrito David Lewis. Y la cosa sigue: a principios de 1996, una versión a cargo de un grupo con chica al frente llamado GoldBug alcanzo la sexta plaza en las listas británicas.

Consecuencia de su gran exito es también su estatus como tema zeppeliniano del que se editaron mas variaciones a 45 r.p.m. En Alemania, Belgica y Holanda, tuvo una edición con “Immigrant Song ” en la cara B (en Holanda, también otra con “Bron-yr-Aur ” añadido); en Japon, con “Thank you “; en España, con “Communication breakdown “. En Australia fueron dos Eps, uno con temas del primer disco de complemento y otro con “Good times, Bad times ” y “Hey Hey What can I do “. Las mas curiosas son la irani (un Ep compartido con el “Instant Karma ” de John Lennon y el “Maudie ” de Chicken Shack) y las dos ediciones mexicanas (con “Communication Breakdown ” e “Immigrant Song ” una, y con “Livin ‘ Lovin ‘ Maid ” y “Heartbreaker ” la otra).

también es la cancion de Zeppelin que mas veces ha aparecido en recopilaciones ajenas al grupo. Concretamente, en dos: en 1970, dentro del disco The age of Atlantic (en el que también se incluia “Communication Breakdown “), y en 1988 en el seno de Classic Rock 1966-1988, compilacion editada con motivo del 40º aniversario de Atlantic y de la que formaban parte, igualmente, “Dazed and Confused “, “Stairway to heaven ” y el tema de Plant “Heaven knows “.

Interpretaciones en directo: Convertido en su tema emblema hasta “Stairway to Heaven “, es logico que fuera uno de los infaltables en los conciertos desde su estreno radiofonico en junio del 69 (antes, varias partes se habian ido desarrollando en el medley de “As Long As I Have You “). Al principio de 1970 se convirtio en bis. Desde la sexta gira americana de finales de ese año hasta 1973 sirvio de apoteosico final, extendiendose hasta incluir un popurri variable de temas clasicos rocanroleros, la participacion del publico (en la parte final de “Woman… way down inside… you need… love “) y otro caracteristico solo de Jimmy. La seccion central era recreada por Page con ayuda de un oscilador electronico (el theramin). Pasando las manos con gestos de chaman delante de la antena del aparato, lo hacia cambiar de tono, produciendose estridentes y uluantes ruidos.

En 1975 y 1977 recupero el estatus de bis (enlazado con “Black dog ” y con “Rock and Roll ” respectivamente). En 1979 se le dio un nuevo arreglo, aunque se retorno al medley con el clasico “Let That Boy Boogie ” en 1980. Fue uno de los temas seleccionados -versión 79- en las uniones de 1985 (Live Aid) y 1988 (el 40º aniversario de Atlantic). El mismo arreglo lo uso Plant en 1993. también ha sido uno de los temas empleados en muchos de los conciertos de las giras Page y Plant en 1995-96.

WHAT IS AND WHAT SHOULD NEVER BE. Continua el goce con otro ejemplo de claroscuro zeppeliniano enre una parte suave, orinica, casi de aires hawaianos, y otra de lo mas marchoso. Destaca el uso que se hace del flanging (dos sonidos identicos que se reporducen simultaneamente con uno de ellos mas lento y ligeramente desafinado respecto al otro) con las voces de Plant al principio y los efectos de separacion estereofonica del final.

Interpretaciones en directo: Hasta la gira yanqui del 72, tras su estreno en junio del 69. Plant la recato en 1993. Una versión un poco entumecida sale en el video de No Quarter. Interpretada unas pocas veces (alguna incluso como bis) en las giras de Page y Plant.

THE LEMONG SONG. Grabada practicamente en directo (solo hay una guitarra añadida en el puente instrumental) en el estudio Mystic , en Hollywood, con Chris Huston a los controles. Un estudio con salas recubiertas de madera – “y un monton de ambiente “, segun Page- en el que habian grabado, entre otros, Bobby Fuller y Richie Valens. La resultante es una espesa -y natural- recreacion de cavernosa sonoridad del “Killing Floor ” de Howlin ‘ Wolf, tema utilizado en sus primeras giras. De hecho, posteriores prensajes (y copias en casete) britanicos del elepé le asingnaban este ultimo nombre, atribuyendo la autoria no a la banda sino a Chester Burnett (el verdadero nombre de Wolf). Debio alcanzarse también en este caso algun tipo de acuerdo con los editores originales (Jewel Music), pues los creditos originales volvieron a figurar en las reediciones.

La toma incluye también los eroquisimos versos, “exprime mi limon / hasta que el jugo corra por mi pierna ” extraidos del “Travelling Riverside Blues ” de Robert Johnson (pieza también interpretada por Zeppelin) que dan titulo a la cancion.

Esta y otras ocasiones del repertorio de la banda han sido empleadas por sus detractores para descalificarles, acusandoles de no ser otra cosa que bucaneros que se atribuian canciones ajenas y que les quitaban a los bluesmen merecidos royaltis. Hay parte de razon, naturalmente, pero el argumento es mas complicado de lo que parece. Como Robert Palmer se encargo de recordar en las notas de la primera caja recopilatoria (y el propio Page a Dave Schulps en 1977), el blues, como tantas otras musicas populares, se transmitio durante años de forma oral, y era costumbre pergeñar canciones con porciones de distintas fuentes, que formaban todas parte de un patrimonio cultural comun y compartido cuyo origen se perdia en la noche de los tiempos, especialmente las letras. Los blues no se escribieron con arreglo a las leyes de la propiedad intelectual. Los Zep hicieron lo mismo (a veces con bastante cara) en una epoca mas legalista. Y buenos palos se llevaron por ello. Ademas, y de todas formas, los complejos arreglos y los patrones ritmicos son exclusiva invencion de Page y cia.

Interpretaciones en directo: Hasta finales del 69, en sus dos encamaciones de “Killing Floor ” y “The lemong song “. La secuencia del “squeeza my lemon ” siguio inclyendose en otros cortes (especialmente en “Whole Lotta Love “). Robert y su banda la interpretaron acusticamente para una emisora milanesa en 1993.

THANK YOU. Preciosa balada de amor que recoge la primera letra escrita totalmente por Robert, y que va dedicada a su mujer, Maureen. De tonos muy sesenteros y con influencia de la música de la Costa Oeste norteamericana, destaca en emocionante trabajo de Jones en el Hammond (con su guardianesca coda final a lo “Strawberry Fields Forever ” y todo) y las sensibles inflexiones de Plant. Page toca el ritmo con una Rickenbaker de doce cuerdas y realiza uno de sus pocos solos de acustica grabados.

Interpretaciones en directo: Desde el tour britanico del 70. Se convirtio en el primer vehiculo para que Jones se explayara con el organo. Utilizada como largo y atmosferico bis en 1972 y 1973, con Page y Jones luciendose al unisono. Robert la repesco en el 93. Con Page y Plant, resurgio en el No Quarter y en las giras.

HEARTBREAKER. El heavy metal no existiria como tal sin canciones como esta, que preside la cara B con la misma contundencia que “Whole Lotta Love ” la A. Es, posiblemente, uno de los mejores ejemplos de la manera en que Page acelera los riffs blueseros y les añade blindaje y marcialidad, mientras Jones le dobla con el bajo y Bonham mantiene un ritmo monolitico. Los solos de Page, totalmente flashy, son un dejadmesolo literal en el que demuestra su inigualable destreza y rapidez ejecutando cascadas de notas y doblando las cuerdas hasta lo imposible. Un ejercicio historico, inedito en la epoca, obligatorio para cualquier guitarrista de heavy que se precie y cuyo punteo inicial fue utilizado por la BBC como sintonia de un programa rockero.

En Italia se edito como sencillo, junto con “Bring it on home “.

Interpretaciones en directo: Estrenada en el Lyceum londinense el 12 de octubre del 69. A partir del festival de Bath (28 de junio del 70) y durante el año siguiente se convirtio en la primera andanada de los conciertos junto con “Immigrant song “. Page aprovechaba entonces para desplegar sus primeros solos efectistas, en los que solia incluir la “59th Street Bridge Song ” de Simon y Garfunkel y fragmentos de la “Suite para laud nº1 ” de Bach y “Greensleeves “. Desde entonces y hasta 1973 se traslado al apartado de propinas, volviendo en la gira americana de ese año al repertorio, dando paso a “Whole Lotta Love “. En años siguientes seria un bis habitual. Fue rescatada en versión reducida en la reunion del aniversario de Atlantic y en las giras de Page y Plant (unas pocas veces).

LIVING LOVING MAID (SHE ‘S JUST A WOMAN). El corte mas comercial y liviano del disco pese a su potente factura. De pegadiza melodica, Jimmy emplea aqui la Telecaster -en vez de la Les Paul, como en casi todo el disco-, lo cual contribuye a extraer densidad. La letra se refiere, al parecer, a una de sus mas insistentes grupis, ex esposa (segun ella) de un conocido productor y famosa por molestar a Page en varias sesiones de grabación. “Una degenerada mujer mayor que intenta desesperadamente ser joven “, segun el guitarra.

Lanzada como cara B de “Whole lotta love “, su evidente gancho hizo que ocupara un honroso numero 65 en la clasificación del Billboard. En Japon y Tailandia llego hasta a salir de estrella en disco pequeño, con “Bring it on home ” de cara B en el país nipon.

Interpretaciones en directo: Nunca. Siempre fue un numero por el que el cuarteto mostro -incluso publicamente, como en el Earl ‘s Court en 1975- su desprecio. Plant debio de cambiar de idea con el tiempo, pues la incluyo en sus conciertos estadounidenses de 1990 y 1993.

RAMBLE ON. Otra vuelta al modelo de contraste entre suaves murmullos acusticos que precipitan en abruptas erupciones electricas. Plant nos obsequia con su abanico de registros vocales y con una letra con algunas referencias a Tolkien, una de sus lecturas preferidas. Los fraseos de Page tanto a la acustica como a la electrica son estupendamente estereos. La parte lenta, con ecos de Neil Young y de Stephen Stills, presagia delicias por venir.

Interpretaciones en directo: Nunca como Led Zeppelin, salvo algun verso insertado en “Communication breakdown ” durante la gira de primavera de 1970. Los honores negados le serian dados por Robert en el 93 y junto a Page en 1995 y 1996.

MOBY DICK. Corte totalmente instrumental en el que se incluye un solo de batería -extrañamente apagado salvo al final, por cierto- donde Bonham, como era su costumbre, emplea sus manos desnudas aparte de las baquetas. Los acordes son muy similares a los de la inedita “The girl I love “. El superresulton riff de Page (también doblado por Jones) lo empleo el segundo canal de la BBC televisiva para su serie Disco 2. Sus licks también son destacables. En Italia, su popularidad lo llevo a encabezar un sencillo en 1970, con “Gallows Pole ” de cara B.

Cintas de las sesiones de grabación han demostrado que el solo se grabo separadamente del resto del tema (contradiciendo lo alguna vez declarado por Page), y que la versión original era bastante mas larga (6 minutos y 55 segundos) y mas variada que la editada.

Interpretaciones en directo: Numero que siempre funciono mejor en vivo, donde era uno de los temas mas aplaudidos y espectaculares. Sustituyo al inicial “Pat ‘s Delight ” en octubre del 69, y desde entonces se interpreto con bastante asiduidad en todas las giras. Fue transformandose en algo monstruoso, en una exhibicion de potencia y habilidad que podia durar de quince a ventitantos minutos y en los que Bonzo llevaba incluso a sangrar sobre sus timbales al golpearlos con las manos. Los demas, mientras tanto, se dedicaban a beber y fumar entre bastidores, o incluso a dejar que algun femina practicara el sexo oral con ellos (como sucedio en el Madison neoyorquino en el 73). En 1977, la introduccion paso a ser “Out on the tiles ” y el solo fue rebautizado como “Over the top “. Nunca se volvio a saber nada mas de el (en años posteriores Bonzo ya no estaba para muchos trotes).

BRING IT ON HOME. La formula de “Heartbreaker “, pero con mas brio si cabe, clausura el plástico. Como aperitivo, un trozo de un blues de Dixon de igual titulo que Sonny Boy Williamson hizo celebre. En el, Plant imita al viejo maestro con un tono y su armonica, con Page y Jones marcando el ritmo boogie-woogie. Algunos lo consideraron una cruda parodia, pero Page, en su entrevista con Dave Schulps de 1977, habla de un “homenaje ” a Williamson. Tras ello, una energentica interpretacion guiada por el hacha de Jaimito.

Interpretaciones en directo: Desde octubre del 69 hasta finales del 70, se ergio en un demoledor numero en vivo (oigase el pirata Blueberry Hill), con una gran exhibicion de Plant a la armonica y un duelo Page/Bonham de altura. En algunas fechas americanas del 72 se utilizo de bis. El riff se empleo para presentar “Black Dog ” en 1973. Y ha sido una de las piezas mas interpretadas (solo falto en 8 de las 115 fechas) durante la gira mundial de Page & Plant.